Творческие портреты композиторов. Популярный справочник

ОГЛАВЛЕНИЕ

Э

ЭЙСЛЕР (Eisler) Ганс (6 VII 1898, Лейпциг - 6 IX 1962, Берлин)
Г. Эйслер занимает почетное место среди прогрессивных композиторов XX
в. Его музыка воплощает наиболее острые, злободневные социальные проблемы
современности. Песенное творчество Эйслера стало символом революционного
пролетарского искусства, а его разнообразная творческая и общественная
деятельность представляет замечательный пример политической активности и
принципиальности, преданности интернациональной миссии рабочего класса и
горячего патриотизма.
Эйслер родился в семье известного философа Рудольфа Эйслера. В 1901 г.
семья переехала в Вену, где будущий композитор получил общее образование в
одной из гимназий. Хотя склонность к музыке и несомненную одаренность он
обнаружил уже в детстве, систематические музыкальные занятия Эйслер начал
лишь после первой мировой войны, которую с 16 лет прошел солдатом и был
дважды ранен. Решив посвятить себя музыке и имея уже некоторый творческий
опыт, Эйслер в 1919 г. поступил в Венскую консерваторию, а вскоре стал
учеником А. Шёнберга. За 4 года обучения (1919-23) Эйслер прошел у него
великолепную профессиональную школу, сохранив на всю жизнь огромную
благодарность и благоговейное почтение к учителю. Шёнберг высоко ценил в
начинающем композиторе оригинальность и самостоятельность мышления, считал
его одним из лучших своих учеников наряду с А. Бергом и А. Веберном.
Свой путь в творчестве Эйслер начал как представитель музыкального
авангарда: его ранние сочинения (2 фортепианные сонаты, романсы,
Дивертисмент для духовых инструментов) написаны в атональной манере с
использованием додекафонией техники композиции. Однако дальше по пути первых
своих сочинений Эйслер не пошел. Под влиянием идей Великой Октябрьской
социалистической революции и Ноябрьской революции в Германии в работе с
пролетарскими хоровыми объединениями формировались его идейно-политические
взгляды, его отношение к искусству как оружию борьбы. Контакты с рабочим
музыкальный движением укрепились с переездом в Берлин в 1925 г. Берлинский
период наиболее значительный в творчестве композитора (1925-33). Эйслер
оказался в самом центре прогрессивных политических и художественных проблем.
Высокий накал классовой борьбы, инициатива широких трудящихся масс рождали
новое искусство. Эстетической платформой для многих выдающихся немецких
художников стал лозунг Фр. Вольфа «Искусство - это оружие!» Эйслер активно
включился в работу по созданию боевого репертуара Рабочего певческого союза,
стал музыкальным лидером самодеятельного движения агитпропа, выступал с
яркими публицистическими статьями в коммунистической печати, преподавал в
Марксистской рабочей школе. Основу его творчества в эти годы составляют
боевые песни (Kampflieder), хоры, сатирические куплеты и эстрадные шансон,
политические баллады, музыка к «красным ревю» агитпропгрупп, к драматическим
спектаклям и кинофильмам. Огромную популярность Эйслеру принесли такие
песни, как «Красный Веддинг, Коминтерн, Тревожный марш, Песнь солидарности».
Это яркие, мобилизующие несокрушимой энергией волевого ритма песни-марши,
песни-призывы Броский плакатный песенный стиль рождается в них на основе
синтеза традиций интернационального революционного фольклора и героической
маршевости, представленной в творчестве композиторов-классиков (Л.
Бетховена, Ф. Шопена, Г. Малера), влияния бытовой музыки и пафоса митинговой
речи.
Дальнейшую судьбу Эйслера определила судьба его родины. Февраль 1933 г.
застал Эйслера в Вене. О возвращении в Берлин не могло быть и речи: фашисты
жестоко расправлялись с представителями прогрессивной немецкой
интеллигенции, на кульминации прервалось развитие революционного
пролетарского искусства. 15 лет (1933-48) продолжался период вынужденного
изгнания. Первые 5 лет Эйслер провел в скитаниях по странам Европы - жил в
Париже, Лондоне, Праге, гостил у Б. Брехта в Дании, как почетный
председатель Международного музыкального бюро приезжал в Москву, совершал
поездки в США и снова возвращался в Европу. В разгар гражданской войны в
Испании Эйслер устремился туда, где в интернациональных бригадах сражались
добровольцы из многих стран мира и среди них брат композитора Герхард и
давний его друг Эрнст Буш.
С 1938 г. Эйслер постоянно живет в США, много преподает, работает в
кино и создает целый ряд инструментальных ансамблей и сюит на основе
киномузыки (2 септета, 2 нонета, Камерную симфонию, квинтет «Четырнадцать
способов изображения дождя» и др.). В соавторстве о Т. Адорно Эйслер написал
книгу «Сочинение музыки для кино» (1947). Творчество периода эмиграции
неоднородно. В первые годы появляются новые массовые песни: «Песнь единого
фронта, Песнь о Сааре, Болотные солдаты, Раб, кто даст тебе свободу, Серп и
молот», 4 баллады на ст. Брехта. Однако постепенно революционная
действенность Kampflieder уступает место психологическим мотивам в камерной
лирике. Личный тон окрашивает вокальные монолога, написанные преимущественно
на тексты Брехта (в т. ч. «Голливудская книга песен» - 1942). Оригинален
цикл из 9 камерных кантат для голоса и различных инструментальных ансамблей.
В них преобладает сложная мелодика декламационного склада на основе
своеобразно трактованной серийной техники. Продолжается работа над музыкой к
пьесам Брехта: «Круглоголовые и остроголовые» (1934-36), «Страх и нищета в
Третьей империи» (1945), «Жизнь Галилея» (1947), «Швейк во второй мировой
войне» (1943-59). Центральные сочинения периода эмиграции - реквием «Ленин»
(1937) и монументальный вокально-симфонический цикл «Немецкая симфония»
(1935-39) - оба на тексты Брехта.
Длительное пребывание Эйслера в США было прервано позорным инцидентом.
Сразу после войны здесь была организована Комиссия по расследованию
антиамериканской деятельности, которая предъявила Эйслеру обвинение в
революционно-политической деятельности, «в распространении коммунизма с
помощью песен». Композитор был выслан из страны. В Европе Эйслер жил сначала
в Вене, а с 1950 г. окончательно переселился в столицу ГДР Берлин. Перед ним
со всей остротой встала задача построения национальной социалистической
культуры. Основу разнообразной деятельности композитора в последние годы
составила педагогика: он был профессором Высшей музыкальной школы в Берлине
(она носит сейчас его имя), являлся членом Немецкой академии искусств.
Эйслера по праву считают главой композиторской школы ГДР.
Творчество последнего периода отмечено прояснением музыкального языка,
умиротворенностью и мудрой простотой. Совместно с И. Бехером Эйслер написал
Национальный гимн ГДР (1949). По-прежнему много композитор работает в
области кино- и театральной музыки. В многоликом творческом наследии Эйслера
наиболее яркую страницу образуют песни борьбы. С этим жанром в первую
очередь связано новаторство композитора, его основной вклад в музыкальное
искусство XX в., их отголоски слышны и сегодня в песнях борьбы и протеста
многих народов мира. /В. Назарова/
ЭЛГАР (Elgar) Эдуард (Уильям) (2 VI 1857, Бродхит, близ Вустера - 23 II
1934, Вустер)

Элгар... в английской музыке занимает то же место, что Бетховен в
немецкой.

Б. Шоу

Э. Элгар - крупнейший английский композитор рубежа XIX-XX вв.
Становление и расцвет его деятельности тесно связаны с периодом наивысшего
экономического и политического могущества Англии в правление королевы
Виктории. Технические и научные завоевания английской культуры, прочно
утвердившиеся буржуазно-демократические свободы плодотворно влияли на
развитие литературы и искусства. Но если национальная литературная школа в
это время выдвинула выдающиеся фигуры Ч. Диккенса, У. Теккерея, Т. Харди, О.
Уайльда, Б. Шоу, то музыка только начинала возрождаться после почти
двухвекового молчания. Среди первого поколения композиторов английского
Возрождения наиболее выдающаяся роль принадлежит Элгару, чье творчество ярко
отражает оптимизм и устойчивость викторианской эпохи. В этом он близок Р.
Киплингу.
Родина Элгара - английская провинция, окрестности городка Вустер,
недалеко от Бирмингема. Получив первые уроки музыки от отца, органиста и
содержателя музыкальной лавки, дальше Элгар развивался самостоятельно,
постигая азы профессии на практике. Лишь в 1882 г. композитор сдал экстерном
экзамены в лондонской Королевской академии музыки по классу скрипки и по
музыкально-теоретическим предметам. Уже в детстве он овладел игрой на многих
инструментах - скрипке, фортепиано, в 1885 г. заменил отца на посту
церковного органиста. Английская провинция в то время была верной
хранительницей национальных музыкальных - и в первую очередь - хоровых
традиций. Огромная сеть любительских кружков и клубов поддерживала эти
традиции на достаточно высоком уровне. В 1873 г. Элгар начал свою
профессиональную деятельность скрипачом в Вустерском «Гли-клаб» (хоровом
обществе), а с 1882 г. работал в родном городе концертмейстером и дирижером
любительского оркестра. В эти годы композитор сочиняет много хоровой музыки
для любительских коллективов, фортепианные пьесы и камерные ансамбли,
изучает творчество классиков и современников, выступает как пианист и
органист. С конца 80-х гг. и до 1929 г. Элгар попеременно живет в разных
городах, в т. ч. в Лондоне и Бирмингеме (где 3 года преподает в
университете), и завершает жизненный путь на родине - в Вустере.
Значение Элгара для истории английской музыки определяется прежде всего
двумя сочинениями: ораторией «Сон Геронтия» (1900, на ст. Дж. Ньюмена) и
симфоническими «Вариациями на загадочную тему» («Энигма»-вариации {Enigma
(лат.) - загадка.}, 1899), которые стали вершинами английского музыкального
романтизма. Оратория «Сон Геронтия» подводит итог не только длительного
развития кантатно-ораториальных жанров в творчестве самого Элгара (4
оратории, 4 кантаты, 2 оды), но во многом и всего предшествовавшего пути
английской хоровой музыки. Отразилась в оратории и другая важнейшая черта
национального Возрождения - интерес к фольклору. Не случайно, прослушав «Сон
Геронтия», Р. Штраус провозгласил тост «за процветание и успех первого
английского прогрессиста Эдварда Элгара, мастера молодой прогрессивной школы
английских композиторов».
В отличие от оратории «Энигма»-вариации заложили первый камень в
основание национального симфонизма, который до Элгара был наиболее уязвимой
областью английской музыкальной культуры. «"Энигма"-вариации
свидетельствуют, что в лице Элгара страна обрела оркестрового композитора
первой величины», - писал один из английских исследователей. «Загадка»
вариаций состоит в том, что в них зашифрованы имена друзей композитора,
скрыта от глаз и музыкальная тема цикла. (Все это напоминает «Сфинксы» из
«Карнавала» Р. Шумана.) Элгару принадлежит и первая английская симфония
(1908).
Среди других многочисленных оркестровых сочинений композитора (увертюр,
сюит, концертов и др.) выделяется Скрипичный концерт (1910) - одно из
наиболее популярных сочинений этого жанра.
Творчество Элгара принадлежит к числу выдающихся явлений музыкального
романтизма. Синтезируя национальные и западноевропейские, преимущественно
австро-немецкие влияния, оно несет в себе черты лирико-психологического и
эпического направлений. Композитор широко применяет систему лейтмотивов, в
этом явственно ощущается воздействие Р. Вагнера и Р. Штрауса.
Музыка Элгара мелодически обаятельна, красочна, обладает яркой
характеристичностью, в симфонических произведениях привлекает оркестровое
мастерство, тонкость инструментовки, проявление романтичности мышления. К
началу XX в. Элгар приобрел европейскую известность.
Среди исполнителей его сочинений были выдающиеся музыканты - дирижер X.
Рихтер, скрипачи Ф. Крейслер и И. Менухин. Нередко выступая за рубежом,
композитор сам вставал за дирижерский пульт. В России произведения Элгара
получили одобрение Н. Римского-Корсакова и А. Глазунова.
После создания Скрипичного концерта в творчестве композитора постепенно
наступает спад, лишь в последние годы жизни его деятельность оживляется. Он
пишет ряд сочинений для духовых, набрасывает эскизы Третьей симфонии,
фортепианного Концерта, оперы «Испанская леди». Элгар пережил свою славу, в
конце жизни его имя стало легендой, живым символом и гордостью английской
музыкальной культуры. /Г. Жданова/
ЭНЕСКУ (Enescu) Джордже (19 VIII 1881, Ливени-Вырнав -4 V 1955, Париж)
Я без колебаний помещаю его в самый первый ряд композиторов нашей
эпохи... Это относится не только к композиторскому творчеству, но и ко всем
многочисленным аспектам музыкальной деятельности гениального художника -
скрипача, дирижера, пианиста... Среди тех музыкантов, которых я знаю. Энеску
был наиболее многогранным, достигшим в своих творениях высокого
совершенства. Его человеческое достоинство, его скромность и моральная сила
вызывали во мне восхищение»... В этих словах П. Казальса дан точный портрет
Дж. Энеску - замечательного музыканта, классика румынской композиторской
школы.
Энеску родился и провел первые 7 лет жизни в сельской местности на
севере Молдовы. В сознание впечатлительного ребенка навсегда вошли картины
родной природы и крестьянской жизни, сельские праздники с песнямв и
плясками, звучания дойн, баллад, народных инструментальных наигрышей. Уже
тогда были заложены первоначальные основы того национального мироощущения,
которое станет определяющим для всей его творческой натуры и деятельности.
Энеску получил образование в двух старейших европейских консерваториях
- Венской, где в 1888-93 гг. обучался как скрипач, и Парижской - здесь в
1894-99 гг. он совершенствуется в классе известного скрипача и педагога М.
Марсика и обучается композиции у двух крупных мастеров - Ж. Массне, затем Г.
Форе.
Блестящая и многосторонняя одаренность юного румына, окончившего обе
консерватории с высшими знаками отличия (в Вене - медаль, в Париже - Гран
при), неизменно отмечалась его педагогами. «Ваш сын принесет огромную славу
и Вам, и нашему искусству, и своей родине», - писал Масоне отцу
четырнадцатилетнего Джордже. «Трудолюбив, рассудителен. Исключительно ярко
одарен», - слова Форе.
Путь концертирующего скрипача Энеску начал с 9 лет, когда впервые
выступил в благотворительном концерте на родине; тогда же появился к первый
отклик: газетная статья «Румынский Моцарт». Дебют Энеску-композитора
состоялся в Париже: в 1898 г. знаменитый Э. Колонн продирижировал его первым
опусом - «Румынской поэмой». Светлая, юношески романтическая Поэма принесла
автору и огромный успех у искушенной публика, и признание в прессе, а
главное - в среде взыскательных коллег.
Вскоре после этого юный автор представляет «Поэму» под собственным
управлением в бухарестском зале Атенеум, который станет затем свидетелем
многих его триумфов. То был его дебют дирижера, а также и первое знакомство
соотечественников с Энеску-композитором.
Хотя жизнь концертирующего музыканта заставляла Энеску часто и подолгу
находиться за пределами родной страны, он сделал удивительно много для
румынской музыкальной культуры. Энеску был среди инициаторов а организаторов
многих важнейших в национальном масштабе дел, таких, как открытие в
Бухаресте постоянного оперного театра, основание Общества румынских
композиторов (1920) - он стал его первым президентом; Энеску создал в Яссах
симфонический оркестр, на базе которого затем возникла филармония.
Предметом его особенно горячих забот было процветание национальной
композиторской школы. В 1913-46 гг. он регулярно отчислял из своих
концертных гонораров средства для премирования молодых композиторов, не было
в стране талантливого композитора, который не стал бы лауреатом этой премии.
Энеску поддерживал музыкантов и материально, и морально, и творчески. В годы
обеих войн он не выезжал за пределы страны, говоря: «пока моя родина
страдает, я не могу с ней расстаться». Своим искусством музыкант нес
утешение страдающему народу, играя в госпиталях и в фонд помощи сиротам,
помогая артистам, оказавшимся в нужде.
Благороднейшая сторона деятельности Энеску - музыкальное
просветительство. Прославленный исполнитель, которого наперебой звали
крупнейшие концертные залы мира, он многократно объезжал всю Румынию с
концертами, выступал в городах и местечках, неся высокое искусство людям,
которые нередко были лишены его. В Бухаресте Энеску выступал с крупными
концертными циклами, он впервые в Румынии исполнил многие классические и со-
временные произведения (Девятая симфония Л. Бетховена, Седьмая симфония Д.
Шостаковича, Концерт для скрипки с оркестром А. Хачатуряна).
Энеску был художником-гуманистом, его взгляды носили демократический
характер. Он осуждал тиранию и войны, стоял на последовательной
антифашистской позиции. Он не поставил свое искусство на службу
монархической диктатуре в Румынии, отказался от гастролей в Германии и
Италии во времена фашизма. В 1944 г. Энеску стал одним из основателей и
вице-президентом Общества румыно-советской дружбы. В 1946 г. он приезжал на
гастроли в Москву и выступал в пяти концертах как скрипач, пианист, дирижер,
композитор, отдавая дань признательности народу-победителю.
Если слава Энеску-исполнителя была всемирной, то его композиторское
творчество при жизни не нашло должного понимания. При том, что его музыку
высоко ценили профессионалы, она сравнительно редко звучала для широкой
публики. Только после смерти музыканта по достоинству было оценено его
огромное значение как классика и главы национальной композиторской школы. В
творчестве Энеску главное место занимают 2 ведущие линии: тема родины и
философская антитеза «человек и рок». Картины природы, сельского быта,
праздничного веселья со стихийными плясками, раздумья о судьбах народных -
все это с любовью и мастерством воплощено в сочинениях композитора:
«Румынская поэма» (1897). 2 Румынские рапсодии (1901); Вторая (1899) и
Третья (1926) сонаты для скрипки и фортепиано (Третья, одно из самых
известных произведений музыканта, имеет подзаголовок «в румынском народном
характере»), «Сельская сюита» для оркестра (1938), сюита для скрипки и
фортепиано «Впечатления детства» (1940) и др.
Конфликт человека со злыми силами - как внешними, так и скрытыми в
самой его натуре - особенно волнует композитора в средние в поздние годы.
Этой теме посвящены Вторая (1914) и Третья (1918) симфонии, квартеты (Второй
фортепианный - 1944, Второй струнный - 1951), симфоническая поэма с хором
«Зов моря» (1951), лебединая песня Энеску - Камерная симфония (1954).
Наиболее глубоко и многогранно эта тема раскрыта в опере «Эдип». Музыкальную
трагедию (на либр., созданное по мифам и трагедиям Софокла) композитор
считал «делом своей жизни», он писал ее в течение нескольких десятилетий
(партитура завершена в 1931 г., но в клавире опера была написана в 1923 г.).
Здесь утверждается идея непримиримого сопротивления человека злым силам, его
победы над роком. Эдип предстает отважным и благородным героем,
тираноборцем. Поставленная впервые в Париже в 1936 г. опера имела огромный
успех; однако на родине автора она впервые была поставлена только в 1958 г.
«Эдип» признан лучшей румынской оперой и вошел в европейскую оперную
классику XX в.
Воплощение антитезы «человек и рок», нередко было подсказано
конкретными событиями румынской действительности. Так, грандиозная Третья
симфония с хором (1918) написана под непосредственным впечатлением трагедии
народа в первой мировой войне; в ней отражены образы нашествия,
сопротивления, а финал ее звучит как ода миру.
Специфику стиля Энеску составляет синтез народно-национального начала с
традициями близкого ему романтизма (особенно сильно сказалось воздействие Р.
Вагнера, И. Брамса, С. Франка) и с достижениями французского импрессионизма,
с которым он сроднился за долгие годы жизни во Франции (он называл эту
страну своей второй родиной). Олицетворением национального для него прежде
всего был румынский фольклор, который Энеску глубоко и всесторонне знал,
высоко ценил и любил, считая его основой всего профессионального творчества:
«Наш фольклор не просто прекрасен. Он - кладезь народной мудрости».
В народном музыкальном мышлении коренятся все основы стиля Энеску -
мелодика, метроритмические структуры, особенности ладового склада,
формообразование.
«Его замечательное творчество всеми своими корнями уходит в народную
музыку», - эти слова Д. Шостаковича выражают суть искусства выдающегося
румынского музыканта. /Р. Лейтес/
ЭШПАЙ Андрей Яковлевич (р. 15 V 1925, Козьмодемьянск Марийской АССР)

Единая гармония - изменяющийся мир... В многоголосье планеты должен
звучать голос каждого народа, а это возможно, если художник - писатель,
живописец, композитор - выражает свои мысли и чувства на родном для него
образном языке. Чем художник национальнее, тем он индивидуальней.

А. Эшпай

Во многом сама биография художника предопределила трепетное
прикосновение к изначальному в искусстве. Отец композитора - Я. Эшпай, один
из основоположников марийской профессиональной музыки, своим подвижническим
трудом привил сыну любовь к народному искусству. По словам А. Эшпая, «отец
был значительным, глубоким, умным и тактичным, очень скромным - подлинным
музыкантом, способным на самоотречение. Великолепный знаток фольклора, он
словно отошел как автор в сторону, увидев свой долг в том, чтобы передать
людям красоту и величие народной мысли. Он понял, что нельзя прилаживать
марийскую пентатонику... к любой другой стройной и самостоятельной, но
чуждой народному искусству системе. По работам отца я всегда могу узнать
подлинник».
А. Эшпай с детства впитал фольклор разных народов Поволжья, весь
лирико-эпический строй сурового угорского края. Война стала особой
трагической темой жизни и творчества композитора - он потерял старшего
брата, памяти которого посвящена прекрасная песня «Москвичи» («Сережка с
Малой Бронной»), друзей. Во взводе разведки Эшпай участвовал в освобождении
Варшавы, в Берлинской операции. Прерванные войной занятия музыкой
возобновились в Московской консерватории, в которой Эшпай учился по классу
композиции у Н. Ракова, Н. Мясковского, Е. Голубева и фортепиано - у В.
Софроницкого. Аспирантуру он заканчивает под руководством А. Хачатуряна в
1956 г.
В это время были созданы «Симфонические танцы на марийские темы»
(1951), «Венгерские напевы» для скрипки с оркестром (1952), Первый
фортепианный концерт (1954, 2-я ред. - 1987), Первый скрипичный концерт
(1956). Эти произведения принесли широкую известность композитору, открыли
основные темы его творчества, творчески преломили заветы его учителей.
Характерно, что прививший ему, по словам композитора, «вкус к масштабности»
Хачатурян во многом воздействовал на представления Эшпая о концертном жанре.
Особенно показателен Первый скрипичный концерт с его темпераментной
взрывчатостью, свежестью, непосредственностью в изъявлении чувств, открытым
обращением к народной и жанрово-бытовой лексике. С Хачатуряном сближает
Эшпая и любовь к стилю М. Равеля, особенно ярко сказавшаяся в фортепианном
творчестве (Первый фортепианный концерт, Первая фортепианная сонатина -
1948). Гармоничность, свежесть, эмоциональная заразительность и
колористическая щедрость также объединяют этих мастеров.
Тема Мясковского составляет особую часть в творчестве Эшпая. Этические
позиции, сам облик выдающегося советского музыканта, истинного хранителя и
преобразователя традиции, оказался идеалом для его последователя. Композитор
хранит верность завету Мясковского: «быть искренним, пламенеть к искусству и
вести свою линию». С именем учителя связаны сочинения-мемориалы памяти
Мясковского: органная Пассакалия (1950), Вариации для оркестра на тему
Шестнадцатой симфония Мясковского (1966), Второй скрипичный концерт (1977),
Альтовый концерт (1987-88), в котором использован материал органной
Пассакалии. Весьма значимо было влияние Мясковского на отношение Эшпая к
фольклору: вслед за своим учителем композитор выходит к символическому
истолкованию народной песенности, к сближению разных традиционных пластов в
культуре. С именем Мясковского связано и обращение к еще одной важнейшей для
Эшпая традиции, повторяющееся во многих сочинениях, начиная с балета «Круг»
(«Помните»! - 1979), - знаменного пения. Оно олицетворяет - прежде всего в
Четвертой (1980), Пятой (1986), Шестой («Литургической» симфонии (1988),
хоровом Концерте (1988) - гармоническое, просветленное, этосное начало,
изначальные свойства национального самосознания, первоосновы русской
культуры. Особую значимость приобретает другая важная тема в творчестве
Эшпая - лирическая. Укорененная в традиционном, она никогда не оборачивается
индивидуалистическим произволом, ее неотъемлемые качества - подчеркнутая
сдержанность и строгость, объективность в выражении и часто -
непосредственная связь с гражданственными интонациями. Решение военной темы,
жанров мемориала, обращение к поворотным событиям - будь то война,
исторические памятные даты - своеобразно, в их осмыслении всегда
присутствует и лирика. Такие произведения, как Первая (1959), Вторая (1962)
симфонии, проникнутые светом (эпиграф Первой - слова В. Маяковского «Надо
вырвать радость у грядущих дней», эпиграф Второй - «Хвала свету»), кантата
«Ленин с нами» (1968), отличающаяся плакатной броскостью, риторической
яркостью в выражении и одновременно - тончайшей лирической пейзажностью,
заложили основы оригинального стилевого сплава ораторского и лирического,
объективного и личностного, значимого для крупных произведений композитора.
Единство «плача и славы, жалости и похвалы» (Д. Лихачев), столь значимых для
древнерусской культуры, находит продолжение в разных жанрах. Особенно
выделяются Третья симфония («Памяти моего отца», 1964), Второй скрипичный и
альтовый Концерт, своеобразный большой цикл - Четвертая, Пятая и Шестая
симфонии, хоровой Концерт. С годами значение лирической темы приобретает
символический и философский подтекст, все большую очищенность от всего
внешнего, субъективно-наносного, мемориал облекается в формы притчи.
Знаменательно переключение лирической темы от сказочно-фольклорного и
романтико-героического повествования в балете «Ангара» (1975) к обобщенной
образности балета-предупреждения «Круг» («Помните»!). Все более очевидной
становится общечеловеческая значимость сочинений-посвящений, проникнутых
трагическим, порой траурным смыслом. Обостренное восприятие конфликтности
современного мира и чуткость художнической реакции на это качество
согласуются и с ответственностью композитора перед наследием и культурой.
Квинтэссенция образности - «Песни горных и луговых мари» (1983). Это
сочинение наряду Концертом для гобоя с оркестром (1982) удостоено Ленинской
премии.
Объективно-лирическая интонация и «хоровое» звучание окрашивают
истолкование концертного жанра олицетворяющего индивидуальное начало.
Выраженная в разных формах - мемориала, медитативного действия, в
воссоздании фольклора, в обращении к переосмысленной модели старинного
concerto grosso, эта тема последовательно отстаивается композитором.
Одновременно в концертном жанре, как и в других сочинениях, композитор
развивает игровые мотивы, праздничность, театральность, высветленность
колорита, мужественную энергию ритма. Это особенно ощутимо в Концерте для
оркестра (1966), Втором фортепианном (1972), гобойном (1982) концертах, а
Концерт для саксофона (1985-86) можно назвать «портретом импровизации.
Единая гармония - изменяющийся мир», - эти слова из балета «Круг» могли бы
послужить эпиграфом к творчеству мастера. Передача гармоничного,
праздничного в конфликтном и осложненном мире специфично для композитора.
Одновременно с воплощением темы традиций Эшпай неизменно обращается к
новому и неизведанному. Органичное соединение традиционного и новаторского
присуще и взглядам на композиторский процесс, и самому творчеству
композитора. Широта и свобода в осмыслении творческих задач отражаются в
самом подходе к жанровому материалу. Известно, что джазовая тема и лексика
занимают особое место в творчестве композитора. Джаз для него в чем-то -
хранитель самой музыки, как и фольклор. Много внимания композитор уделил
массовой песне ч ее проблемам, легкой музыке, киноискусству, важному по
драматургическому и выразительному потенциалу, источнику самостоятельных
идей. Мир музыки и живая действительность предстают в органичной
взаимосвязи: по словам композитора, «прекрасный мир музыки не замкнут, не
обособлен, а являет собой лишь часть вселенной, имя которой - жизнь». /М.
Лобанова/