Творческие портреты композиторов. Популярный справочник

ОГЛАВЛЕНИЕ

Ф

ФАЛЬЯ (Falla) Мануэль де (23 XI 1876, Кадис - 14 XI 1946. Альта-Грасия,
Аргентина)

Я стремлюсь к искусству столь же сильному, сколь и простому, чуждому
тщеславия и эгоизма.

Цель искусства - порождать чувство во всех его аспектах, и другой цели
у него не может и не должно быть.

М. де Фалья

М. де Фалья - выдающийся испанский композитор XX в. - в своем
творчестве развивал эстетические принципы Ф. Педреля - идейного руководителя
и организатора движения за возрождение испанской национальной музыкальной
культуры (Ренасимьенто). На рубеже XIX-XX вв. это движение охватило
различные стороны жизни страны. Деятели Ренасимьенто (писатели, музыканты,
художники) стремились вывести из застоя испанскую культуру, возродить ее
самобытность, поднять национальную музыку на уровень передовых европейских
композиторских школ. Фалья, как и его современники - композиторы И. Альбенис
и Э. Гранадос, стремился воплотить в своем творчестве эстетические принципы
Ренасимьенто.
Первые уроки музыки Фалья получил у своей матери. Потом брал уроки
фортепианной игры у X. Траго, у которого учился впоследствии в Мадридской
консерватории, где изучал также гармонию и контрапункт. В 14 лет Фалья уже
начал сочинять произведения для камерно-инструментального ансамбля, а в
1897-1904 гг. написал пьесы для фортепиано и 5 сарсуэл. Плодотворное
воздействие на Фалью оказали годы учения у Педреля (1902-04), который
ориентировал молодого композитора на изучение испанского фольклора. В
результате появилось первое значительное произведение - опера «Короткая
жизнь» (1905). Написанная на драматический сюжет из народной жизни, она
содержит выразительные и психологически правдивые образы, колоритные
пейзажные зарисовки. Эта опера была отмечена первой премией на конкурсе
мадридской Академии изящных искусств в 1905 г. В том же году Фалья
завоевывает первую премию на конкурсе пианистов в Мадриде. Он много
концертирует, дает уроки игры на фортепиано, сочиняет.
Огромное значение для расширения художественных взглядов Фальи и
совершенствования мастерства имело его пребывание в Париже (1907-14) и
творческое общение с выдающимися французскими композиторами К. Дебюсси и М.
Равелем. По совету П. Дюка в 1912 г. Фалья перерабатывает партитуру оперы
«Короткая жизнь», которая ставится затем в Ницце и Париже. В 1914 г.
композитор возвращается в Мадрид, где по его инициативе создается
музыкальное общество для пропаганды старинной и современной музыки испанских
композиторов. Трагические события первой мировой войны нашли отражение в
«Молитве матерей, которые держат на руках своих сыновей» для голоса и
фортепиано (1914).
В 1910-20 гг. стиль Фальи приобретает законченность. В нем органично
синтезируются достижения западноевропейской музыки с национальными
испанскими музыкальными традициями. Это блестяще воплотилось в вокальном
цикле «Семь испанских народных песен» (1914), в одноактном балете-пантомиме
с пением «Любовь-волшебница» (1915), в котором изображены картины быта
испанских цыган. В симфонических впечатлениях (по обозначению автора) «Ночи
в садах Испании» для фортепиано с оркестром (1909-15) Фалья сочетает
характерные особенности французского импрессионизма с испанской основой. В
результате сотрудничества с С. Дягилевым появился балет «Треуголка», который
получил широкую известность. В оформлении и в исполнении балета принимали
участие такие выдающиеся деятели культуры, как хореограф Л. Мясин, дирижер
Э. Ансерме, художник П. Пикассо. Фалья приобретает авторитет в европейском
масштабе. По просьбе выдающегося пианиста А. Рубинштейна Фалья пишет
блестящую виртуозную пьесу «Бетическая фантазия», основанную на андалусских
народных темах. В ней использованы оригинальные технические приемы, идущие
от испанского гитарного исполнительства.
С 1921 г. Фалья живет в Гранаде, где совместно с Ф. Гарсиа Лоркой в
1922 г. организует фестиваль канте хондо, который имеет большой общественный
резонанс. В Гранаде Фалья написал оригинальное музыкально-театральное
произведение «Балаганчик маэстро Педро» (на сюжет одной из глав «Дон-Кихота»
М. Сервантеса), в котором сочетаются элементы оперы, балета-пантомимы и
кукольного представления. В музыке этого сочинения претворены особенности
фольклора Кастилии. В 20-х гг. в творчестве Фальи проявляются черты
неоклассицизма. Они отчетливо видны в Концерте для клавичембало, флейты,
гобоя, кларнета, скрипки и виолончели (1923-26), посвященном выдающейся
польской клавесинистке В. Ландовской. На протяжении многих лет Фалья работал
над монументальной сценической кантатой «Атлантида» (по поэме Ж.
Вердагера-и-Сантало). Она была завершена учеником композитора Э. Альфтером и
исполнялась в виде оратории в 1961 г., а как опера была поставлена в Ла
Скала в 1962 г. Последние годы Фалья жил в Аргентине, куда вынужден был
эмигрировать из франкистской Испании в 1939 г.
В музыке Фальи впервые воплощен испанский характер в его
общенациональном проявлении, полностью свободном от местной ограниченности.
Его творчество поставило испанскую музыку в один ряд с другими
западноевропейскими школами и принесло ей мировое признание. /В. Ильёва/
ФИБИХ (Fibich) Зденек (21 XII 1850, Вшеборжице - 15 X 1900, Прага)
Замечательный чешский композитор З. Фибих наряду с Б. Сметаной и А.
Дворжаком справедливо причислен к основоположникам национальной
композиторской школы. Жизнь и творчество композитора совпали с подъемом
патриотического движения в Чехии, ростом самосознания ее народа, и это нашло
живейшее отражение в его произведениях. Глубокий знаток истории своей
страны, ее музыкального фольклора, Фибих внес значительный вклад в развитие
чешской музыкальной культуры и особенно музыкального театра.
Композитор родился в семье лесника. Свое детство Фибих провел среди
чудесной природы Чехии. На всю жизнь он сохранил память о ее поэтической
красоте и запечатлел в своем творчестве романтические, сказочные образы,
связанные с миром природы. Один из самых эрудированных людей своей эпохи,
обладавший глубокими и разносторонними знаниями в области музыки, литературы
и философии, Фибих начал профессионально заниматься музыкой с 14 лет.
Музыкальное образование получил в музыкальной школе Сметаны в Праге, потом в
Лейпцигской консерватории, а с 1868 г. совершенствовался как композитор
сначала в Париже и, несколько позже, в Мангейме. С 1871 г. (за исключением
двух лет-1873-74, когда он преподавал в музыкальном училище РМО в Вильнюсе)
композитор жил в Праге. Здесь он работал вторым дирижером и хормейстером
Временного театра, регентом хора русской православной церкви, заведовал
репертуарной частью оперной труппы Национального театра. Хотя Фибих и не
занимался преподавательской деятельностью в музыкальных учебных заведениях
Праги, у него были ученики, ставшие впоследствии видными представителями
чешской музыкальной культуры. Среди них К. Коваржовиц, О. Острчил, 3.
Неедлы. Кроме того, существенным вкладом Фибиха в педагогику стало создание
им школы игры на фортепиано.
В становлении музыкального дарования Фибиха существенную роль сыграли
традиции немецкого музыкального романтизма. Немалое значение имело я
увлечение чешской романтической литературой, в особенности поэзии Я.
Врхлицкого, чьи произведения были положены в основу многих сочинений
композитора. Как художник Фибих прошел сложный путь творческой эволюции. Его
первые крупные произведения 6070-х гг. пронизаны патриотическими идеями
движения национального возрождения, сюжеты и образы заимствованы из чешской
истории и народного эпоса, насыщены выразительными средствами, характерными
для национального песенно-танцевального фольклора. Среди этих сочинений
впервые принесшая композитору известность симфоническая поэма «Забой, Славой
и Людек» (1874), патриотическая опера-баллада «Бланик» (1877), симфонические
картины «Томан и лесная фея, Весна». Однако наиболее близкой Фибиху сферой
творчества стала музыкальная драма. Именно в ней, где сам жанр требует
тесной взаимосвязи различных видов искусства, нашла свое применение высокая
культура, интеллигентность и интеллектуализм композитора. Чешские историки
отмечают, что, создав «Мессинскую невесту» (1883), Фибих обогатил чешскую
оперу музыкальной трагедией, которая по захватывающей силе художественного
воздействия не имела в ту пору себе равных. Конец 80 - начало 90-х гг. Фибих
посвящает работе над своим наиболее монументальным произведением -
сценической мелодрамой-трилогией «Ипподамия». Написанное на текст
Врхлицкого, который своеобразно развил здесь известные древнегреческие мифы
в духе философских воззрений конца века, это сочинение обладает высокими
художественными достоинствами, возрождает и доказывает жизнеспособность
жанра мелодрамы.
Последнее десятилетие в творчестве Фибиха оказалось особенно
плодотворным. Им были написаны 4 оперы: «Буря» (1895), «Геды» (1897),
«Шарка» (1897) и «Падение Арканы» (1899). Однако самым значительным
созданием этого периода стало уникальное для всей мировой фортепианной
литературы сочинение - цикл из 376 фортепианных пьес «Настроения,
впечатления и воспоминания». История его возникновения связана с именем
Анежки Шульц, жены композитора. Этот цикл, названный З. Неедлы «любовным
дневником Фибиха», стал не только отражением глубоко личных и сокровенных
чувств композитора, но явился своего рода творческой лабораторией, из
которой он черпал материал для многих своих произведений. Афористически
краткие образы цикла своеобразно преломились во Второй и Третьей симфониях и
особую трепетность обрели в симфонической идиллии «Перед вечером».
Скрипичная транскрипция этого сочинения, принадлежащая выдающемуся чешскому
скрипачу Я. Кубелику, получила широкую известность под названием «Поэма».
/И. Ветлицына/
ФИЛД, Фильд (Field) Джон (26 VII 1782, Дублин - 23 I 1837, Москва)

Хотя я слышал его не много раз, но до сих пор хорошо помню его сильную,
мягкую и отчетливую игру. Казалось, что не он ударял по клавишам, а сами
пальцы падали на них, подобно крупным каплям дождя, и рассыпались жемчугом
по бархату.

М. Глинка

Известный ирландский композитор, пианист и педагог Дж. Филд связал свою
судьбу с русской музыкальной культурой и внес свою немалую лепту в ее
развитие.
Филд родился в семье музыкантов. Первоначальное музыкальное образование
получил у певца, клавесиниста и композитора Т. Джордани. В десятилетнем
возрасте талантливый мальчик впервые в жизни выступил публично. После
переезда в Лондон (1792) он становится учеником М. Клементи - выдающегося
пианиста и композитора, ставшего к тому времени предприимчивым фабрикантом
роялей. В лондонский период своей жизни Филд демонстрировал инструменты в
магазине, принадлежащем Клементи, начал концертировать, сопровождал своего
учителя во время заграничных поездок. В 1799 г. Филд впервые исполнил свой
Первый фортепианный концерт, принесший ему известность. В те годы его
выступления с успехом проходили в Лондоне, Париже, Вене. В письме к
музыкальному издателю и фабриканту И. Плейелю Клементи рекомендовал Филда
как многообещающего гения, ставшего на родине любимцем публики благодаря
своим сочинениям и исполнительскому мастерству.
1802 г. - важнейшая, ставшая рубежной, веха в жизни Филда: вместе со
своим учителем он приезжает в Россию. В Петербурге юный музыкант своей
чудесной игрой рекламирует достоинства роялей фирмы Клементи, с большим
успехом выступает в аристократических салонах, знакомится с русским
музыкальным искусством. Постепенно у него созревает желание остаться в
России навсегда. Большую роль в этом решении, вероятно, сыграло то
обстоятельство, что он был тепло принят русской публикой.
Жизнь Филда в России связана с двумя городами - Петербургом и Москвой.
Именно здесь развернулась его композиторская, исполнительская и
педагогическая работа. Филд - автор 7 фортепианных концертов, 4 сонат, около
20 ноктюрнов, вариационных циклов (в т. ч. на русские темы), полонезов для
фортепиано. Композитором также написаны арии и романсы, 2 дивертисмента для
фортепиано и струнных инструментов, фортепианный Квинтет.
Филд стал основоположником нового музыкального жанра - ноктюрна,
получившего затем блестящее развитие в творчестве Ф. Шопена, а также ряда
других композиторов. Творческие достижения Филда в этой области, его
новаторство очень высоко ценил Ф. Лист: «До Филда фортепианные произведения
неизбежно должны были быть сонатами, рондо и т. п. Филд же ввел жанр, не
относящийся ни к одной из этих категорий, жанр, в котором чувство и мелодия
обладают верховной властью и свободно движутся, не стесненные оковами
насильственных форм. Он открыл путь всем тем сочинениям, которые
впоследствии появились под названием "Песен без слов", "Экспромтов",
"Баллад" и т. п., и был родоначальником этих пьес, предназначенных для
выражения внутренних и личных переживаний. Он открыл эти области,
предоставившие для фантазии более изысканной, чем величественной, для
вдохновения скорее нежного, чем лирического, столь же новое, как благородное
поприще».
Композиторская и исполнительская манера Филда отличается певучестью и
выразительностью звучания, лиризмом и романтической чувственностью,
импровизационностью и изысканностью. Пение на фортепиано - одно из важнейших
свойств исполнительского стиля Филда - было столь подкупающим для Глинки и
многих других выдающихся русских музыкантов и ценителей музыки. Филдовская
певучесть была родственна русской народной песенности. Глинка, сравнивая
манеру исполнения Филда с игрой других известных пианистов, писал в
«Записках», что «игра Филда была часто смела, капризна и разнообразна, но он
не обезображивал искусство шарлатанством и не рубил пальцами к»о»т»л»е»т,
подобно большей части новейших модных пьянистов».
Значителен вклад Филда в воспитание молодых русских пианистов, как
профессионалов, так и любителей. Его педагогическая деятельность была очень
обширной. Филд - желанный и уважаемый учитель во многих дворянских семьях. У
него обучались такие видные впоследствии музыканты, как А. Верстовский, А.
Гурилев, А. Дюбюк, Ант. Контский. Несколько уроков у Филда взял Глинка. У
него учился В. Одоевский. В первой половине 30-х гг. Филд осуществил большую
гастрольную поездку по Англии, Франции, Австрии, Бельгии, Швейцарии, Италии,
высоко оцененную рецензентами и публикой. В конце 1836г. в Москве состоялся
последний концерт уже тяжело больного Филда, и вскоре замечательный музыкант
умер.
Имя и деятельность Филда занимают в русской музыкальной истории
почетное и уважаемое место. Его композиторское, исполнительское и
педагогическое творчество способствовало становлению и развитию русского
пианизма, оно подготовило почву для появления целого ряда выдающихся русских
исполнителей и композиторов. /А. Назаров/
ФОМИН Евстигней Ипатьевич (16 VIII 1761, Петербург - IV 1800, там же)

Е. Фомин принадлежит к числу талантливых русских музыкантов XVIII в.,
чьими усилиями в России создавалась национальная композиторская школа.
Вместе со своими современниками - М. Березовским, Д. Бортнянским, В.
Пашкевичем - он заложил основы отечественного музыкального искусства. В его
операх и в мелодраме «Орфей» проявилась широта интересов автора в выборе
сюжетов и жанров, мастерское владение различными стилями оперного театра
того времени. История была несправедлива к Фомину, как, впрочем, и к
большинству других русских композиторов XVIII в. Трудно складывалась судьба
талантливого музыканта. Безвременно окончилась его жизнь, и вскоре после
смерти имя его оказалось надолго забытым. Не сохранились и многие сочинения
Фомина. Лишь в советское время возрос интерес к творчеству этого
замечательного музыканта, одного из создателей русской оперы. Усилиями
советских ученых были возвращены к жизни его произведения, найдены некоторые
скудные данные его биографии.
Фомин родился в семье канонира (солдата-артиллериста) Тобольского
пехотного полка. Он рано потерял отца, и когда ему исполнилось 6 лет, его
отчим И. Федотов, солдат лейб-гвардии Измайловского полка, привел мальчика в
Академию художеств. 21 апреля 1767 г. Фомин стал учеником архитектурного
класса прославленной Академии, основанной императрицей Елизаветой Петровной.
В Академии учились все знаменитые художники XVIII в. - В. Боровиковский, Д.
Левицкий, А. Лосенко, Ф. Рокотов, Ф. Щедрин и др. В стенах этого учебного
заведения обращалось внимание на музыкальное развитие учащихся: воспитанники
обучались игре на разных инструментах, пению. При Академии был организован
оркестр, ставились оперы, балеты, драматические спектакли.
Яркие музыкальные способности Фомина проявились еще в начальных
классах, а в 1776 г. Совет Академии направил ученика «архитектурного
художества» Ипатьева (как часто называли тогда Фомина) к итальянцу М. Буини
для обучения инструментальной музыке - игре на клавикордах. С 1777 г.
образование Фомина продолжалось в музыкальных классах, открывшихся при
Академии художеств, руководителем которых был известный композитор Г.
Payпах, автор популярной оперы «Добрые солдаты». У него Фомин изучал теорию
музыки и основы композиции. С 1779 г. его музыкальным наставником стал
клавесинист и капельмейстер А. Сартори. В 1782 г. Фомин блестяще закончил
Академию. Но как ученик музыкального класса, он не мог быть награжден
золотой или серебряной медалью. Совет отметил его лишь денежной премией в
размере 50 рублей.
По окончании Академии, в качестве пенсионера Фомин был направлен для
усовершенствования на 3 года в Италию, в Болонскую филармоническую академию,
считавшуюся тогда крупнейшим музыкальным центром Европы. Там, под
руководством Падре Мартини (учителя великого Моцарта), а затем С. Маттеи (у
которого впоследствии занимались Дж. Россини и Г. Доницетти) и продолжил
свое музыкальное образование скромный музыкант из далекой России. В 1785 г.
Фомин был допущен к экзамену на звание академика и выдержал это испытание
прекрасно. Полный творческой энергии, с высоким званием «мастера композиции»
Фомин вернулся в Россию осенью 1786 г. По приезде композитор получил заказ
на сочинение оперы «Новгородский богатырь Боеслаевич» на либретто самой
Екатерины II. Премьера оперы и дебют Фомина-композитора состоялись 27 ноября
1786 г. в Эрмитажном театре. Однако опера не понравилась императрице, и
этого было достаточно, чтобы карьера молодого музыканта при дворе оказалась
несостоявшейся. В годы правления Екатерины II Фомин не получил никакой
официальной должности. Лишь в 1797 г., за 3 года до смерти, он был наконец
принят на службу в театральную дирекцию в качестве репетитора оперных
партий.
Неизвестно, как протекала жизнь Фомина в предшествующее десятилетие.
Однако творческая работа композитора шла активно. В 1787 г. он сочинил оперу
«Ямщики на подставе» (на текст Н. Львова), а в следующем году появились 2
оперы - «Вечеринка, или Гадай, гадай девица» (музыка и либр. не сохранились)
и «Американцы». За ними последовала опера «Колдун, ворожея и сваха» (1791).
К 1791-92 гг. относится лучшее произведение Фомина - мелодрама «Орфей»
(текст Я. Княжнина). В последние годы жизни им были написаны хор к трагедии
В. Озерова «Ярополк и Олег» (1798), оперы «Клорида и Милан» и «Золотое
яблоко» (ок. 1800).
Оперные сочинения Фомина многообразны по жанрам. Здесь и русские
комические оперы, и опера в итальянском стиле buffa, и одноактная мелодрама,
где русский композитор впервые обратился к высокой трагедийной теме. К
каждому из выбранных жанров Фомин находит новый, индивидуальный подход. Так,
в его русских комических операх привлекает прежде всего трактовка
фольклорного материала, метод разработки народных тем. Особенно ярко тип
русской «хоровой» оперы представлен в опере «Ямщики на подставе». Здесь
композитор широко использует разные жанры народной русской песни -
протяжной, хороводной, плясовой, применяет приемы подголосочного развития,
сопоставления сольного запева и хорового припева. На разработке
народно-песенных плясовых тем построена и увертюра - интересный образец
раннего русского программного симфонизма. Принципы симфонического развития,
основанные на свободном варьировании мотивов, найдут широкое продолжение в
русской классической музыке, начиная с «Камаринской» М. Глинки.
В опере на текст знаменитого баснописца И. Крылова «Американцы» Фомин
блестяще показал мастерство владения стилем оперы-buffa. Вершиной его
творчества явилась мелодрама «Орфей», поставленная в Петербурге при участии
знаменитого трагического актера того времени - И. Дмитревского. Спектакль
этот строился на сочетании драматического чтения с сопровождением оркестра.
Фомин создал превосходную музыку, полную бурного пафоса и углубляющую
драматический замысел пьесы. Она воспринимается как единое симфоническое
действие, с непрерывным внутренним развитием, направленным к общей
кульминации в конце мелодрамы - «Пляске фурий». Самостоятельные
симфонические номера (увертюра и «Пляска фурий») обрамляют мелодраму, как
пролог и эпилог. Самый принцип сопоставления напряженной музыки увертюры,
лирических эпизодов, расположенных в центре композиции, и динамичного финала
свидетельствуют об удивительной прозорливости Фомина, проложившего путь к
развитию русской симфонии драматического плана.
Мелодрама «несколько раз была представлена на театре и заслужила
большую похвалу. Г-н Дмитревский в роли Орфея короновал ее своею
чрезвычайною игрою», - читаем в очерке о Княжнине, предпосланном его
собранию сочинений. 5 февраля 1795 г. премьера «Орфея» состоялась в Москве.
Второе рождение мелодрамы «Орфей» состоялось уже на советской сцене. В
1947 г. она была исполнена в цикле исторических концертов, подготовленных
Музеем музыкальной культуры им. М. И. Глинки. В эти же годы известным
советским музыковедом Б. Доброхотовым была восстановлена партитура «Орфея».
Мелодрама исполнялась также в концертах, посвященных 250-летию Ленинграда
(1953) и 200-летию со дня рождения Фомина (1961). А в 1966 г. она впервые
прозвучала за рубежом, в Польше, на конгрессе старинной музыки.
Широта и многообразие творческих исканий Фомина, яркая самобытность его
дарования позволяют по праву считать его крупнейшим оперным композитором
России XVIII в. Своим новым подходом к русскому фольклору в опере «Ямщики на
подставе» и первым обращением к трагической теме в «Орфее» Фомин проложил
пути к оперному искусству XIX в. /А. Соколова/
ФОРЕ (Faure) Габриэль (Юрбен) (12 V 1845, Памье, деп. Арьеж - 4 XI
1924, Париж)

Чудесная музыка! Такая ясная, такая чистая, и такая французская, и
такая человечная!

Р. Дюмениль

Класс Форе был для музыкантов тем же, чем был для поэтов салон
Малларме... Лучшие музыканты эпохи, за малым исключением, прошли через эту
замечательную школу элегантности и вкуса.

А. Ролан-Манюэль

Жизнь Г. Форе - крупного французского композитора, органиста, пианиста,
дирижера, музыкального критика - проходила в эпоху значительных исторических
событий. В его деятельности, характере, чертах стиля сплавились особенности
двух разных веков. Он принял участие в последних битвах франко-прусской
войны, был свидетелем событий Парижской коммуны, до него доходили
свидетельства о русско-японской войне («Что за резня между русскими и
японцами! Это омерзительно»), он пережил первую мировую войну. В искусстве
на его глазах расцветали импрессионизм и символизм, проходили Вагнеровские
фестивали в Байрейте и «Русские сезоны» в Париже. Но самым существенным
явилось то обновление французской музыки, ее второе рождение, в котором
принимал участие и Форе и в котором заключался основной пафос его
общественной деятельности.
Форе родился на юге Франции в семье школьного учителя математики и
дочери капитана наполеоновской армии. Габриэль был шестым ребенком в семье.
Воспитание в деревне у простой крестьянки-кормилицы сформировало мальчика
молчаливого, задумчивого, привило ему любовь к мягким очертаниям родных
долин. Интерес к музыке проявился у него неожиданно в робких импровизациях
на фисгармонии местной церкви. Одаренность ребенка была замечена и его
направили для обучения в Париж в Школу классической и религиозной музыки. 11
лет пребывания в Школе дали Форе необходимые музыкальные знания и навыки,
основанные на изучении большого количества произведений, в т. ч. старинной
музыки, начиная с григорианского хорала. Подобная стилистическая ориентация
отразилась в творчестве зрелого Форе, возродившего, подобно многим
крупнейшим композиторам XX в., некоторые принципы музыкального мышления
добаховской эпохи.
Особенно много дало Форе общение с музыкантом огромного масштаба и
исключительной одаренности - К. Сен-Сансом, который преподавал в Школе в
1861-65 гг. Между учителем и учеником сложились отношения полного доверия и
общности интересов. Сен-Санс внес в обучение свежую струю, познакомив своих
учеников с музыкой романтиков - Р. Шумана, Ф. Листа, Р. Вагнера, до той поры
недостаточно известных во Франции. Форе не остался безразличным к влияниям
этих композиторов, друзья даже называли его иногда «французским Шуманом». С
Сен-Сансом же началась дружба, длившаяся всю жизнь. Видя исключительную
одаренность ученика, Сен-Санс не раз доверял ему заменять себя в некоторых
выступлениях, позже посвятил ему свои «Бретонские впечатления» для органа,
использовал тему Форе во вступлении своего Второго фортепианного концерта.
Окончив Школу с первыми премиями по композиции и фортепиано, Форе едет
работать в Бретань. Совмещая служебные обязанности в церкви с музицированием
в светском обществе, где он пользуется большим успехом, Форе вскоре по
оплошности теряет свое место и возвращается в Париж. Здесь Сен-Санс помогает
ему устроиться органистом в небольшой церквушке.
Значительную роль в судьбе Форе сыграл салон знаменитой певицы Полины
Виардо. Позже композитор писал ее сыну: «Я был встречен в доме твоей матери
с доброжелательностью и приветливостью, которых никогда не забуду. Я
сохранил... воспоминание о дивных часах; они так драгоценны одобрением твоей
матери и твоим вниманием, горячей симпатией Тургенева»... Общение с
Тургеневым положило начало связям с деятелями русского искусства. Позже у
него завязываются знакомства с С. Танеевым, П. Чайковским, А. Глазуновым, в
1909 г. Форе приезжал в Россию и выступал с концертами в Петербурге и
Москве.
В салоне Виардо нередко звучали новые произведения Форе. К этому
времени он сочинил большое количество романсов (в т. ч. знаменитое
Пробуждение), привлекавших слушателей мелодической красотой, тонкостью
гармонических красок, лирической мягкостью. Восторженные отклики вызвала
скрипичная соната. Танеев, услышав ее во время пребывания в Париже, писал:
«Я от нее в восторге. Может быть, это самое лучшее сочинение из всех тех,
которые я здесь слышал... Самые оригинальные и новые гармонии, самые смелые
модуляции, но при этом ничего резкого, раздражающего ухо... Красота тем
удивительная»...
Менее удачно сложилась личная жизнь композитора. После разрыва помолвки
с невестой (дочерью Виардо) Форе пережил тяжелое потрясение, от последствий
которого избавился лишь через 2 года. Возвращение к творчеству приносит ряд
романсов и Балладу для фортепиано с оркестром (1881). Развивая традиции
листовского пианизма, Форе создает произведение с выразительной мелодикой и
почти импрессионистической тонкостью гармонических красок. Женитьба на
дочери скульптора Фремье (1883) и успокоение в семье сделало жизнь Форе
более счастливой. Это нашло отражение и в музыке. В фортепианных
произведениях и романсах этих лет композитор достигает удивительного
изящества, тонкости, созерцательного удовлетворения. Не раз еще кризисы,
связанные с тяжелой депрессией и началом столь трагичного для музыканта
заболевания (болезнь слуха), прерывали творческий путь композитора, однако
из каждого он выходил победителем, представляя все новые свидетельства
своего незаурядного дарования.
Плодотворным для Форе оказалось обращение к поэзии П. Верлена, по
словам А. Франса, «самого оригинального, самого грешного и самого
мистичного, самого сложного и самого смятенного, самого безумного, но уж,
конечно, и самого вдохновенного, и самого подлинного из современных поэтов»
(ок. 20 романсов, в т. ч. циклы «Из Венеции» и «Добрая песня»).
Самые крупные удачи сопутствовали излюбленным Форе камерным жанрам, на
основе изучения которых он строил и свои занятия с учениками по классу
композиции. Одной из вершин его творчества является великолепный Второй
фортепианный квартет, полный драматических коллизий и взволнованной патетики
(1886). Форе писал и крупные произведения. В годы второй мировой войны с
особым смыслом для патриотов-французов звучала его опера «Пенелопа» (1913),
многие исследователи и почитатели творчества Форе считают его шедевром
Реквием с мягкой и благородной скорбью его песнопений (1888). Любопытно, что
Форе принял участие в открытии первого концертного сезона XX столетия,
сочинив музыку к лирической драме «Прометей» (по Эсхилу, 1900). Это было
колоссальное предприятие, в котором приняло участие ок. 800 исполнителей и
которое проходило во «французском Байрейте» - в театре под открытым небом
среди Пиренеев на юге Франции. В момент генеральной репетиции разразилась
гроза. Форе вспоминал: «Гроза была ужасающая. Молния упала на арену прямо в
место (вот совпадение!), где Прометей должен был высекать огонь... декорации
оказались в плачевном состоянии». Однако погода улучшилась, и премьера имела
ошеломляющий успех.
Огромное значение для развития французской музыки имела общественная
деятельность Форе. Он принимает активное участие в деятельности
Национального общества, призванного пропагандировать музыкальное искусство
Франции. В 1905 г. Форе принимает пост директора Парижской консерватории и
будущий расцвет ее деятельности несомненно является следствием обновления
преподавательского состава и реорганизаций, предпринятых Форе. Выступая
всегда защитником нового и прогрессивного в искусстве, Форе в 1910 г. не
отказывается стать президентом нового - Независимого музыкального общества,
организованного не принятыми в Национальное общество молодыми музыкантами,
среди которых немало учеников Форе (в т. ч. М. Равель). В 1917 г. Форе
добился объединения французских музыкантов путем введения независимых в
Национальное общество, что оздоровило атмосферу концертной жизни.
В 1935 г. друзья и почитатели творчества Форе, крупнейшие музыканты,
исполнители и композиторы, среди которых было немало его учеников, основали
Общество друзей Габриэля Форе, пропагандирующее среди широкой аудитории
музыку композитора - «такую ясную, такую чистую, такую французскую и такую
человечную». /В. Базарнова/
ФРАНК (Franck) Сезар (Огюст) (10 XII 1822, Льеж - 8 XI 1890, Париж)

...Нет имени чище, чем имя этой великой простосердечной души. Почти
все, кто приближались к Франку, испытали на себе его неотразимое обаяние...

Р. Роллан

Франк - необычная фигура во французском музыкальном искусстве,
незаурядная, своеобразная личность. Р. Роллан писал о нем от имени героя
романа Жана Кристофа: ...»этому неземному Франку, этому святому от музыки
удалось пронести через жизнь, полную лишений и всеми презираемого труда,
немеркнущую ясность терпеливой души, и отсюда - та смиренная улыбка, что
осеняла светом добра его творчество». К. Дебюсси, не избежавший обаяния
Франка, вспоминал о нем: «Этот человек, который был несчастным,
непризнанным, обладал детской душой настолько неистребимо доброй, что он мог
созерцать всегда без горечи недоброжелательность людей и противоречивость
событий». Сохранились свидетельства многих крупных музыкантов об этом
человеке редкой душевной щедрости, удивительной ясности и простодушия,
которые вовсе не говорили о безоблачности его жизненного пути.
Отец Франка принадлежал к старому роду придворных фламандских
живописцев. Художественные семейные традиции позволили ему рано заметить
незаурядное музыкальное дарование сына, однако в его характере возобладала
предприимчивость финансиста, побудившая ради материальной выгоды
эксплуатировать пианистическую одаренность маленького Сезара.
Тринадцатилетний пианист получает признание в Париже - столице музыкального
мира тех лет, украшенной пребыванием крупнейших мировых знаменитостей - Ф.
Листа, Ф. Шопена, В. Беллини, Г. Доницетти, Н. Паганини, Ф. Мендельсона, Дж.
Мейербера, Г. Берлиоза. С 1835 г. Франк живет в Париже и продолжает свое
образование в консерватории. Для Франка все большее значение приобретают
занятия сочинением, из-за чего происходит разрыв его с отцом. Рубежным в
биографии композитора оказался важный для истории Франции 1848 г. - отказ от
концертной деятельности ради композиторского творчества, женитьба на
Фелисите Демуссо, дочери актеров театра французской комедии. Интересно, что
последнее событие совпадает с революционными событиями 22 февраля -
свадебный кортеж вынужден перелезть через баррикады, в чем им помогли
повстанцы. Не до конца понимавший события Франк считал себя республиканцем и
откликнулся на революцию сочинением песни и хора.
Необходимость обеспечивать семью заставляет композитора постоянно
заниматься частными уроками (из объявления в газете: «Г-н Сезар Франк...
возобновляет частные уроки...: фортепиано, теоретическая и практическая
гармония, контрапункт и фуга»...). Он не смог позволить себе отказаться от
этой ежедневной мдогочасовой изнуряющей работы до конца дней и даже получил
травму от толчка омнибуса на пути к одному из своих учеников, приведшую его
впоследствии к смерти.
Поздно пришло к Франку признание его композиторского творчества -
основного дела его жизни. Первый успех ему довелось испытать лишь в 68 лет,
мировое же признание его музыка заслужила лишь после смерти творца.
Однако любые жизненные невзгоды не поколебали здоровой силы духа,
наивного оптимизма, доброжелательности композитора, вызывавших симпатии
современников и потомков. Он находил, что ходьба на уроки полезна для
здоровья и умел получать удовольствие даже от посредственного исполнения
своих произведений, нередко принимая равнодушие публики за радушный прием.
Видимо, в этом сказалось и национальное своеобразие его фламандского
темперамента.
Ответствен, точен, спокойно суров, благороден был Франк в своей работе.
Подвижнически однообразен был образ жизни композитора - подъем в 4 ч. 30
мин., 2 часа работы для себя, как он называл сочинение, в 7 утра он уже
отправлялся на уроки, возвращаясь домой лишь к ужину, и, если к нему не
приходили в этот день его ученики по классу органа и композиции, у него
оставалась еще пара часов на доработку своих произведений. Это без
преувеличения можно назвать подвигом самоотверженной работы не ради денег
или успеха, но ради верности себе, делу своей жизни, своему призванию,
высшему мастерству.
Франком создано 3 оперы, 4 оратории, 5 симфонических поэм (в т. ч.
Поэма для фортепиано с оркестром), часто исполняемые Симфонические вариации
для фортепиано с оркестром, великолепная Симфония, камерно-инструментальные
произведения (в частности, нашедшие продолжателей и подражателей во Франции
Квартет и Квинтет), любимая исполнителями и слушателями Соната для скрипки и
фортепиано, романсы, фортепианные произведения (особое признание публики
заслужили крупные одночастные композиции - Прелюдия, хорал и фуга и
Прелюдия, ария и финал), около 130 пьес для органа.
Музыка Франка всегда значительна и благородна, одушевлена высокой
идеей, совершенна по конструкции и при этом полна звукового очарования,
красочности и выразительности, земной красоты и возвышенной
одухотворенности. Франк явился одним из создателей французской симфонической
музыки, открыв вместе с Сен-Сансом эпоху крупных по масштабу, серьезных и
значительных по мысли симфонических и камерных произведений. В его Симфонии
сочетание романтически мятущегося духа с классической стройностью и
соразмерностью формы, органной густотой звучания создает неповторимый облик
сочинения самобытного и оригинального.
Удивительным было у Франка чувство «материала». Он владел ремеслом в
высшем смысле этого слова. Несмотря на работу урывками, в его произведениях
нет разрывов и клочковатости, музыкальная мысль течет непрерывно и
естественно. Он обладал редкой способностью продолжать сочинение с любого
места, на котором он вынужден был прерваться, ему не нужно было «входить в
этот процесс, видимо, он постоянно носил в себе свое вдохновение. При этом
он мог работать одновременно над несколькими произведениями, причем никогда
не повторял дважды однажды найденной формы, приходя в каждом сочинении к
принципиально новому решению.
Великолепное владение высшим композиторским мастерством проявилось в
органных импровизациях Франка, в этом почти забытом со времен великого И. С.
Баха жанре. Франка - известного органиста - приглашали на торжественные
церемонии открытия новых органов, такой чести удостаивались только
крупнейшие органисты. До конца дней не реже двух-трех раз в неделю Франк
играл в церкви Св. Клотильды, поражая своим искусством не только прихожан.
Современники вспоминают: ...»он приходил, чтобы возжечь пламя своих
гениальных импровизаций, зачастую более ценных, чем многие старательно
обработанные образцы, мы... забывали обо всем на свете, созерцая
напряженно-внимательный профиль и в особенности мощный лоб, вокруг которого
как бы вились вдохновенные мелодии и изысканные гармонии, отраженные
пилястрами собора: наполняя его, они затем терялись наверху в его сводах».
Импровизации Франка слышал Лист. Ученик Франка В. д'Энди пишет: «Лист вышел
из церкви... искренне взволнованный и восхищенный, произнося имя И. С. Баха,
сопоставление с которым само собою возникало в его сознании... "Этим поэмам
предназначено место рядом с шедеврами Себастьяна Баха!", - воскликнул он».
Велико влияние органного звучания на стиль фортепианных и оркестровых
произведений композитора. Так, одно из самых популярных его произведений -
Прелюдия, хорал и фуга для фортепиано - вдохновлено органными звучаниями и
жанрами - взволнованное токкатное прелюдирование с охватом всего диапазона,
спокойная поступь хорала с ощущением непрерывно тянущегося органного звука,
масштабная фуга с баховскими интонациями вздоха-жалобы, да и сам пафос
музыки, широта и возвышенность темы как бы привнесли в фортепианное
искусство речь истового проповедника, убеждающего человечество в высоте,
скорбной жертвенности и этической ценности его предназначения.
Истинной любовью к музыке и к своим ученикам была пронизана
педагогическая деятельность Франка в Парижской консерватории, где его класс
органа стал центром изучения композиции. Поиски новых гармонических красок и
форм, интерес к современной музыке, удивительное знание огромного количества
произведений различных композиторов привлекало к Франку молодых музыкантов.
Среди его учеников были такие интересные композиторы, как Э. Шоссон или В.
д'Энди, открывший в память учителя Schola cantorum, призванную развивать
традиции великого мастера.
Всеобщим было посмертное признание композитора. Один из прозорливых его
современников писал: «Г-н Сезар Франк... будет считаться в XX веке одним из
самых великих музыкантов XIX-го». Произведения Франка украшали репертуар
таких крупнейших исполнителей, как М. Лонг, А. Корто, Р. Казадезюс. Э. Изаи
исполнял Скрипичную сонату Франка в мастерской скульптора О. Родена, лицо
его в момент исполнения этого удивительного произведения было особенно
вдохновенно, и известный бельгийский скульптор К. Менье воспользовался этим
при создании портрета знаменитого скрипача. Традиции музыкального мышления
композитора преломились в творчестве А. Онеггера, частично отразились в
произведениях русских композиторов Н. Метнера и Г. Катуара. Вдохновенная и
строгая музыка Франка убеждает в ценности этических идеалов композитора,
которые позволили ему стать примером высокого служения искусству,
беззаветной преданности своему делу и человеческому долгу. /В. Базарнова/
ФРЕСКОБАЛЬДИ (Frescobaldi) Джироламо (12 IX 1583(?), Феррара - 1 III
1643, Рим)
Дж. Фрескобальди - один из выдающихся мастеров эпохи барокко,
основоположник итальянской органной и клавирной школы. Он родился в Ферраре,
в то время - одном из крупнейших музыкальных центров Европы. Ранние годы
жизни связаны со службой у герцога Альфонсо II д'Эсте, известного на всю
Италию меломана (по свидетельству современников, герцог слушал музыку по 4
часа в день!). При этом же дворе работал Л. Лудзаски, который был первым
учителем Фрескобальди. Со смертью герцога Фрескобальди покидает родной город
и переезжает в Рим.
В Риме он работал в разных церквах в качестве органиста и при дворах
местной знати - клавесинистом. Выдвижению композитора способствовало
покровительство архиепископа Гвидо Бентнвольо. Вместе с ним в 1607-08 гг.
Фрескобальди совершил путешествие во Фландрию, тогдашний центр клавирной
музыки. Поездка сыграла важную роль для формирования творческой
индивидуальности композитора.
Рубежное значение в жизни Фрескобальди имел 1608 г. Именно тогда
появились первые публикации его сочинений: 3 инструментальные канцоны,
Первая книга фантазий (Милан) и Первая книга мадригалов (Антверпен). В том
же году Фрескобальди занимает высокий и чрезвычайно почетный пост органиста
римского собора Св. Петра, на котором (с небольшими перерывами) композитор
оставался практически до конца своих дней. Постепенно росли слава и
авторитет Фрескобальди как органиста и клавесиниста, незаурядного
исполнителя и изобретательного импровизатора. Параллельно работе в соборе
Св. Петра он поступает на службу к одному из богатейших итальянских
кардиналов Пьетро Альдобрандини. В 1613 г. Фрескобальди женился на Ореоле
дель Пино, которая в ближайшие 6 лет родила ему пятерых детей.
В 1628-34 гг. Фрескобальди работал органистом при дворе тосканского
герцога Фердинандо II Медичи во Флоренции, затем продолжал свою службу в
соборе Св. Петра. Его слава стала поистине интернациональной. 3 года у него
учился крупный немецкий композитор и органист И. Фробергер, многие известные
композиторы и исполнители.
Парадоксальным образом мы ничего не знаем о последних годах жизни
Фрескобальди, равно как и о его последних музыкальных сочинениях.
Один из современников композитора П. Делла Балле в своем письме в 1640
г. писал, что в «современном стиле» Фрескобальди стало больше «галантности».
Поздние музыкальные произведения до сих пор находятся в виде рукописей.
Фрескобальди умер в зените славы. Как писали очевидцы, в заупокойной мессе
приняли участие «самые знаменитые музыканты Рима».
Главное место в творческом наследии композитора занимают
инструментальные сочинения для клавесина и органа во всех известных тогда
жанрах: канцоны, фантазии, ричеркары, токкаты, каприччио, партиты, фуги (в
тогдашнем смысле этого слова, т. е. каноны). В одних господствует
полифоническое письмо (напр., в «ученом» жанре ричеркара), в других (напр.,
в канцоне) полифонические приемы переплетены с гомофонными («голос» и
инструментальное аккордовое сопровождение).
Один из самых знаменитых сборников музыкальных произведений
Фрескобальди - «Музыкальные цветы» (издан в Венеции в 1635 г.). В него вошли
органные произведения самых различных жанров. Здесь в полной мере проявил
себя неповторимый композиторский почерк Фрескобальди, для которого
характерна стилистика «взволнованного стиля» с гармоническими новшествами,
разнообразием фактурных приемов, импровизационной свободой, искусством
варьирования. Необычной для своего времени была исполнительская трактовка
темпа и ритма. В предисловии к одной из книг своих токкат и других сочинений
для клавесина и органа Фрескобальди призывает играть... «не соблюдая
такта... сообразно чувствам или смыслу слов, как это делается в мадригалах».
Как композитор и исполнитель на органе и клавире, Фрескобальди оказал
огромное влияние на развитие итальянской и, шире, западноевропейской музыки.
Особенно велика была его слава в Германии. На сочинениях Фрескобальди
учились Д. Букстехуде, И. С. Бах и многие другие композиторы. /С. Лебедев/