Творческие портреты композиторов. Популярный справочник

ОГЛАВЛЕНИЕ

А

АДАН (Adam) Адольф (Шарль) (24 VII 1803, Париж - 3 V 1856, там же)

Автор всемирно известного балета «Жизель» А. Адан был одним из наиболее

знаменитых и любимых композиторов Франции первой половины XIX в. Его оперы и

балеты пользовались огромным успехом у публики, слава Адана еще при жизни

перешагнула рубежи Франции. Наследие его огромно: свыше 46 опер, 18 балетов

(среди которых «Дева Дуная, Корсар, Фауст»). Его музыку отличают изящество

мелодии, пластичность рисунка, тонкость инструментовки. Адан родился в семье

пианиста, профессора Парижской консерваторий Л. Адана. Известность отца была

довольно большая, среди его учеников - Ф. Калькбреннер и Ф. Герольд. В

молодые годы Адан не проявлял интереса к музыке и готовился к карьере

ученого. Тем не менее он получил музыкальное образование в Парижской

консерватории. Сильное воздействие на развитие его композиторских

способностей оказала встреча с композитором Ф. Буальдьё - одним из ведущих

французских композиторов того времени. Он сразу заметил в Адане мелодический

дар и взял его в свой класс.

Успехи молодого композитора были настолько значительны, что в 1825 г.

он получил Римскую премию. Адана и Буальдьё связывали глубокие творческие

контакты. По эскизам своего учителя Адан написал увертюру к самой известной

и популярной опере Буальдьё «Белая дама». В свою очередь Буальдьё угадал в

Адане призвание к театральной музыке и посоветовал ему в начале обратиться к

жанру комической оперы. Первая комическая опера Адана была написана в 1829

г. на сюжет из русской истории, в которой одним из главных действующих лиц

был Петр I. Опера называлась «Петр и Екатерина». Наибольшую известность и

популярность снискали оперы, появившиеся в последующие годы: «Хижина»

(1834), «Почтальон из Лонжюмо» (1836), «Король из Ивето» (1842), «Калиостро»

(1844). Композитор писал очень много и быстро. Почти все критики обвиняют

меня в слишком быстром сочинении, - писал Адан, - я сочинил "Хижину" за

пятнадцать дней, "Жизель" - за три недели и "Если бы я был королем" - за два

месяца. Однако наибольший успех и самая долгая жизнь выпала на долю его

балета Жизель (либр. Т. Готье и Г. Корали), послужившего началом т. н.

французского романтического балета. С балетом Адана связаны имена

замечательных балерин Ш. Гризи и М. Тальони, создавших поэтичный и нежный

образ Жизели. Имя Адана было хорошо известно в России. Еще в 1839 г. он

приезжал в Петербург, сопровождая в гастрольной поездке свою ученицу -

известную певицу Шери-Куро. В Петербурге царило увлечение балетом. На сцене

выступала Тальони. Композитор был свидетелем успеха танцовщицы в главной

партии его балета «Дева Дуная». Оперный театр произвел на Адана двойственное

впечатление. Он отмечал недостатки оперной труппы и лестно отзывался о

балете: ...Здесь все поглощают танцы. И к тому же, так как в Петербург почти

никогда не приезжают иностранные певцы, местные артисты лишены знакомства с

хорошими образцами. Успех певицы, которую сопровождаю, был поэтому

громаден...

Все новейшие достижения французского балета быстро переносились на

русскую сцену. Балет «Жизель» был поставлен в Петербурге в 1842 г., через

год после парижской премьеры. Он и по сей день входит в репертуары многих

музыкальных театров.

В течение ряда лет композитор не приступал к сочинению музыки.

Поссорившись с директором театра Opera Comique, Адан решил открыть

собственное театральное предприятие под названием Национальный театр. Он

просуществовал всего лишь год, и разорившийся композитор вынужден был, для

того чтобы поправить свое материальное положение, вновь обратиться к

композиции. В эти же годы (1847-48) появляются в печати его многочисленные

фельетоны и статьи, а с 1848 г. он становится профессором Парижской

консерватории.

Среди сочинений этого периода - ряд опер, поражающих разнообразием

сюжетов: «Тореадор» (1849), «Жиральда» (1850), «Нюрнбергская кукла» (по

новелле Т. А. Гофмана «Песочный человек» - 1852), «Будь я король» (1852),

«Фальстаф» (по В. Шекспиру - 1856). В 1856 г . был поставлен один из самых

популярных его балетов «Корсар».

С литературным талантом композитора русская публика имела возможность

познакомиться на страницах Театрального и музыкального вестника,

опубликовавшего в 1859 г . на своих страницах фрагменты из воспоминаний

композитора. Музыка Адана составляет одну из ярких страниц музыкальной

культуры XIX в. Не случайно К. Сен-Сане писал: Где чудные дни "Жизели" и

"Корсара"?! Это были образцовые балеты. Необходимо воскресить их традиции.

Ради бога, если это возможно, отдайте нам прекрасные балеты былых времен.

/Л. Кожевникова/

АЙВЗ (Ives) Чарлз (Эдуард) (20 X 1874, Данбери, штат Коннектикут - 19 V

1954, Нью-Йорк) Вероятно, если бы музыканты начала XX в. и кануна первой

мировой войны узнали, что в Америке живет композитор Ч. Айвз и услышали его

произведения, то отнеслись бы к ним как к своеобразному эксперименту,

курьезу, а то и вовсе не заметили бы: настолько был своеобразен он сам и та

почва, на которой он возрос. Но Айвза тогда никто не знал - очень долгое

время он вообще ничего не предпринимал для пропаганды своей музыки.

«Открытие» Айвза произошло только в конце 30-х гг., когда оказалось, что

многие (и притом самые разные) способы новейшего музыкального письма были

уже опробованы самобытным американским композитором в эпоху А. Скрябина, К.

Дебюсси и Г. Малера. К тому времени, когда к Айвзу пришла известность, он

уже много лет не сочинял музыки и, тяжело больной, прервал связи с внешним

миром. «Американской трагедией» назвал судьбу Айвза один из современников.

Айвз родился в семье военного дирижера. Его отец был неутомимым

экспериментатором - эта черта перешла и к сыну, (Например, он поручал двум

оркестрам, идущим навстречу друг другу, играть разные произведения.) От

детских и юношеских лет, проведенных в патриархальной обстановке, ведет

начало айвзовское «слышание» Америки, «открытость» его творчества,

впитавшего, наверное, все, что звучало вокруг. Во многих его сочинениях

звучат отголоски пуританских религиозных гимнов, джаза, театра менестрелей.

В детстве Чарлз воспитывался на музыке двух композиторов - И. С. Баха и С.

Фостера (друга отца Айвза, американского «барда», автора популярных песен и

баллад). Серьезным, чуждым всякой суетности отношением к музыке, возвышенным

строем Мыслей и чувств Айвз впоследствии будет напоминать Баха.

Свои первые произведения Айвз написал для военного оркестра (он играл в

нем на ударных инструментах), в 14 лет стал церковным органистом в своем

родном городке. Но кроме этого он играл на фортепиано в театре, импровизируя

регтаймы и другие пьесы. Окончив Йельский университет (1894-1898), где он

занимался у X. Паркера (композиция) и Д. Бака (орган), Айвз работает

церковным органистом в Нью-Йорке. Затем в течение многих лет он служил

клерком в страховой компании и делал это с большим увлечением. Впоследствии,

в 20-е гг., отойдя от музыки, Айвз стал преуспевающим бизнесменом и видным

специалистом (автором популярных трудов) по страхованию. Большинство

произведений Айвза принадлежит к жанрам оркестровой и камерной музыки. Он -

автор пяти симфоний, увертюр, программных произведений для оркестра (Три

селения в Новой Англии, Центральный парк в темноте), двух струнных

квартетов, пяти сонат для скрипки, двух - для фортепиано, пьес для органа,

хоров и более 100 песен. Большинство своих крупных произведений Айвз писал

долго, в течение нескольких лет. Во Второй фортепианной сонате (1911-15)

композитор отдал дань уважения своим духовным предшественникам. В каждой из

ее частей запечатлен портрет одного из американских философов: Р. Эмерсона,

Н. Хоторна, Г. Topo; вся соната носит название местечка, где эти философы

жили (Конкорд, Массачусетс, 1840-1860). Их идеи легли в основу мировоззрения

Айвза (например, идея слияния человеческой жизни с жизнью природы). Для

искусства Айвза характерен высокий этический настрой, его находки никогда не

носили чисто формального характера, а были серьезнейшей попыткой выявить

скрытые возможности, заложенные в самой природе звука.

Раньше других композиторов Айвз пришел ко многим из современных

выразительных средств. От экспериментов своего отца с разными оркестрами

идет прямой путь к политональности (одновременному звучанию нескольких

тональностей), объемному, «стереоскопическому» звучанию и алеаторике (когда

музыкальный текст не жестко зафиксирован, а из совокупности элементов

возникает каждый раз заново, как бы случайно). Последний крупный замысел

Айвза (неоконченная «Всемирная» симфония) предполагал расположение оркестров

и хора на открытом воздухе, в горах, в разных точках пространства. Две части

симфонии (Музыка Земли и Музыка Неба) должны были звучать... одновременно,

но дважды, чтобы слушатели могли поочередно фиксировать внимание на каждой.

Б некоторых произведениях Айвз раньше А. Шёнберга почти вплотную подошел к

серийной организации атональной музыки.

Стремление проникнуть в недра звуковой материи привело Айвза к

четвертитоновой системе, совершенно неизвестной классической музыке. Он

пишет Три четвертитоновые пьесы для двух фортепиано (настроенных

соответствующим образом) и статью «Четвертитоновые впечатления».

Айвз отдал сочинению музыки свыше 30 лет и только в 1922 г. на

собственные средства издал ряд произведений. Последние 20 лет жизни Айвз

отходит от всяких дел, чему способствует усиливающаяся слепота, болезни

сердца и нервной системы. В 1944 г ., в честь 70-летия Айвза в Лос-Анджелесе

был организован юбилейный концерт. Его музыку высоко оценили крупнейшие

музыканты нашего века. И. Стравинский отметил однажды: Музыка Айвза сказала

мне больше, чем романисты, описывающие американский Запад... Я для себя

открыл в нем новое понимание Америки. /К. Зенкин/

АЛЕКСАНДРОВ Александр Васильевич (13 IV 1883, с. Плахино, ныне

Рязанской обл. - 8 VII 1946, Берлин). А. В. Александров вошел в историю

советского музыкального искусства главным образом как автор прекрасных,

неповторимо-оригинальных песен и как создатель единственного в своем роде

Краснознаменного ансамбля песни и пляски Советской Армии. Александров писал

произведения и других жанров, но их было немного: 2 оперы, Симфония,

Симфоническая поэма (все в рукописи), Соната для скрипки и фортепиано. Его

любимым жанром была песня. Песня, - утверждал композитор, - начало начал

музыкального творчества. Песня продолжает быть самой любимой, массовой,

наиболее доступной формой музыкального искусства. Подтверждением этой мысли

являются 81 оригинальная песня и свыше 70 обработок русских народных и

революционных песен.

Александров от природы был наделен красивым голосом и редкой

музыкальностью. Уже девятилетним мальчиком он поет в одном из петербургских

хоров, а спустя некоторое время поступает в Придворную певческую капеллу.

Там под руководством выдающегося хорового дирижера А. Архангельского юноша

постигает тонкости вокального искусства и регентское дело. Но Александрова

увлекала не только хоровая музыка. Он постоянно посещал симфонические и

камерные концерты, оперные спектакли.

С 1900 г . Александров - студент Петербургской консерватории по классу

композиции А. Глазунова и А. Лядова. Однако вскоре он вынужден был покинуть

Петербург и надолго прервать учебу: сырой петербургский климат, напряженные

занятия, материальные трудности подорвали здоровье юноши. Лишь в 1909 г.

Александров поступил теперь уже в Московскую консерваторию сразу по двум

специальностям - по композиции (класс проф. С. Василенко) и вокалу (класс У.

Мазетти). В качестве дипломной работы по сочинению он представил одноактную

оперу Русалка по А. Пушкину и был удостоен за нее Большой серебряной медали.

В 1918 г . Александров был приглашен в Московскую консерваторию в

качестве преподавателя музыкально-теоретических дисциплин, а 4 года спустя

ему присвоили звание профессора. Важным событием в жизни и деятельности

Александрова отмечен 1928 г.: он становится одним из организаторов и

художественным руководителем первого в стране Ансамбля красноармейской песни

и пляски. Ныне - это снискавший всемирную славу дважды Краснознаменный

академический ансамбль песни и пляски Советской Армии им. А. В.

Александрова. Тогда ансамбль насчитывал всего 12 человек: 8 певцов, баянист,

чтец и 2 танцора. Уже первое выступление 12 октября 1928 г. в Центральном

доме Красной Армии под управлением Александрова встретило восторженный прием

у слушателей. В качестве премьеры ансамбль подготовил

литературно-музыкальный монтаж «22-я Краснодарская дивизия в песнях».

Основной задачей ансамбля было обслуживание частей Красной Армии, но он

выступал также и перед рабочими, колхозниками, советской интеллигенцией.

Большое внимание Александоов уделял репертуару ансамбля. Он много ездил по

стране, собирая и записывая армейские песни, а затем стал сочинять и сам.

Его первой песней на патриотическую тему была «Вспомним-ка, товарищи» (ст.

С. Алымова). За ней последовали другие - «Бейте с неба, самолеты,

Забайкальская, Краснофлотская-Амурская, Песня Пятой дивизии» (все на ст. С.

Алымова), «Песня о партизанах» (ст. С. Михалкова). Особенно широкую

популярность завоевала «Эшелонная» (стихи О. Колычева).

В 1937 г . правительство приняло решение о поездке ансамбля в Париж, на

Всемирную выставку. 9 сентября 1937 г . Краснознаменный ансамбль в военной

форме стоял на эстраде концертного зала Плейель, до отказа наполненного

слушателями. Под аплодисменты публики на эстраду вышел Александров, и в зал

полились звуки «Марсельезы». Все встали. Когда отзвучал этот волнующий гимн

Французской революции, раздался гром аплодисментов. После исполнения

«Интернационала» аплодисменты были еще более продолжительными. На следующий

день в парижских газетах появились восторженные отзывы об ансамбле и его

руководителе. Известный французский композитор и музыкальный критик Ж. Орик

писал: С чем сравнить такой хор?.. Как не быть захваченным гибкостью и

тонкостью нюансов, чистотой звука и в то же время сыгранностью, которая

превращает этих певцов в единый инструмент и при том какой. Этот ансамбль

уже покорил Париж... Страна, имеющая таких артистов, может гордиться. С

удвоенной энергией работал Александров в годы Великой Отечественной войны.

Он сочинил немало ярких патриотических песен, таких, как Святое ленинское

знамя, 25 лет Красной Армии, Поэма об Украине (все на ст. О. Колычева). Из

них, - писал Александр Васильевич, - "Священная война" вошла в быт армии и

всего народа как гимн мести и проклятья гитлеризму. Эта, песня-набат,

песня-присяга и ныне, как и в суровые военные годы, глубоко волнует

советских людей.

В 1939 г. Александров написал «Гимн партии большевиков» (ст. В.

Лебедева-Кумача). Когда был объявлен, конкурс на создание нового Гимна

Советского Союза, он представил музыку «Гимна партии большевиков» с текстом

С. Михалкова и Г. Эль-Регистана. В ночь под 1944 год все радиостанции страны

впервые передали в исполнении Краснознаменного ансамбля новый Гимн

Советского Союза.

Выполняя огромную работу по обслуживанию частей Советской Армии, как в

годы войны, так и в мирное время, Александров также проявлял заботу об

эстетическом воспитании советских людей. Он был убежден, что Краснознаменный

ансамбль красноармейской песни и пляски может и должен служить примером для

создания ансамблей при рабочих клубах. При этом Александров не только давал

советы по созданию хоровых и танцевальных коллективов, но и оказывал им

практическую помощь. До конца своих дней Александров работал с присущей ему

огромной творческой энергией - он умер в Берлине, во время гастролей

ансамбля. В одном из последних писем, как бы подводя итог своей жизни,

Александр Васильевич писал: ...Сколько пережито и какой пройден путь от того

времени, когда я был мальчиком в лаптях, до настоящего момента... Много было

хорошего и плохого. А жизнь была сплошной борьбой, полная труда, забот... Но

я не сетую ни на что. Я благодарю судьбу за то, что моя жизнь, мой труд

принесли какие-то плоды дорогой Отчизне и народу. В этом большое счастье...

/М. Комиссарская/

АЛЕКСАНДРОВ Анатолий Николаевич (25 V 1888, Москва - 16 V 1982, там же)

Душа моя тиха. В натянутых

струнах

Звучит один порыв, здоровый

и прекрасный,

И льется голос мой задумчиво

и страстно.

А. Блок

Выдающийся советский композитор, пианист, педагог, критик и публицист,

редактор целого ряда произведений русской музыкальной классики, АН.

Александров вписал яркую страницу в историю русской и советской музыки.

Выходец из музыкальной семьи - мать была талантливой пианисткой, ученицей К.

Клиндворта (фортепиано) и П. Чайковского (гармония),- он окончил в 1916 г . с

золотой медалью Московскую консерваторию по классам фортепиано (К. Игумнов)

и композиции (С. Василенко).

Творческая деятельность Александрова поражает своим временным размахом

(свыше 70 лет) и высокой продуктивностью (более 100 опусов). Он завоевал

признание еще в дореволюционные годы как автор светлых и жизнеутверждающих

«Александрийских песен» (ст. М. Кузмина), оперы «Два мира» (дипломной

работы, удостоенной золотой медали), ряда симфонических и фортепианных

произведений.

В 20-е гг. Александров в числе зачинателей советской музыки - плеяды

талантливых молодых советских композиторов, таких, как Ю. Шапорин, В.

Шебалин, А. Давиденко, Б. Шехтер, Л. Книппер, Д. Шостакович. Душевная

молодость сопутствовала Александрову на протяжении всей жизни.

Художественный облик Александрова многогранен, трудно назвать жанры, которые

не нашли бы воплощения в его творчестве: 5 опер - «Тень Филлиды» (либр. М.

Кузмина, не законч.), «Два мира» (по А. Майкову), Сорок первый (по Б.

Лавреневу, не законч.), «Бэла» (по М. Лермонтову), «Дикая Бара» (либр. Б.

Немцовой), «Левша» (по Н. Лескову); 2 симфонии, 6 сюит; ряд

вокально-симфонических произведений («Ариана и Синяя Борода» по М.

Метерлинку, «Память сердца» по К. Паустовскому и др.); Концерт для

фортепиано с оркестром; 14 фортепианных сонат; произведения вокальной лирики

(циклы романсов на стихи А. Пушкина, «Три кубка» на ст. Н. Тихонова,

«Двенадцать стихотворений советских поэтов» и др.); 4 струнных квартета;

серии программных фортепианных миниатюр; музыка для драматического театра и

кино; многочисленные сочинения для детей (Александров был одним из первых

композиторов, писавших музыку для спектаклей Московского детского театра,

основанного Н. Сац в 1921 г .).

Наиболее ярко дарование Александрова проявилось в вокальной и

камерно-инструментальной музыке. Его романсам присущ тонкий просветленный

лиризм, изящество и изысканность мелодики, гармонии и формы. Те же черты - в

фортепианных произведениях и в квартетах, входящих в концертный репертуар

многих исполнителей у нас в стране и за рубежом. Живая «общительность» и

глубина содержания характерна для Второго квартета, замечательны по своей

тонкой образности циклы фортепианных миниатюр («Четыре повествования,

Романтические эпизоды, Страницы из дневника» и др.); глубоки и поэтичны

фортепианные сонаты, развивающие традиции пианизма С. Рахманинова, А.

Скрябина и Н. Метнера.

Александров известен и как замечательный педагог; будучи профессором

Московской консерватории (с 1923 г.), он воспитал не одно поколение

советских музыкантов (В. Бунин, Г. Егиазарян, Л. Мазель, Р. Леденев, К.

Молчанов, Ю. Слонов и др.).

Значительное место в творческом наследии Александрова занимает его

музыкально-критическая деятельность, охватывающая самые различные явления

русского и советского музыкального искусства. Это талантливо написанные

воспоминания и статьи о С. Танееве, Скрябине, Метнере, Рахманинове;

художнике и композиторе В. Поленове; о сочинениях Шостаковича, Василенко, Н.

Мясковского, Молчанова и др. Творчество АН. Александрова стало своеобразным

связующим звеном между русской классикой XIX в. и молодой советской

музыкальной культурой. Оставаясь верным традициям горячо любимого им

Чайковского, Александров был художником, находящимся в постоянном творческом

поиске. /О. Томпакова/

АЛИЗАДЕ Акшин Аликули оглы (р. 22 V 1937, Баку) А. Ализаде вошел в

музыкальную культуру Азербайджана в 60-е гг. насяду с другими композиторами

республики, сказавшими свое слово в искусстве в отношении к народной музыке.

Азербайджанская народная, ашугская и традиционная музыка (мугам), ставшая

источником вдохновения для многих композиторов, питает и творчество Ализаде,

в котором своеобразно преломляются и переосмысливаются ее ладоинтонационные

и метроритмические особенности в сочетании с современными приемами

композиции, лаконизмом и отточенностью деталей музыкальной формы.

Ализаде окончил Азербайджанскую государственную консерваторию по классу

композиции Д. Гаджиева (1962) и аспирантуру под руководством этого видного

азербайджанского композитора (1971). Значительное влияние на творческое

становление Ализаде, как и на творчество многих представителей национальной

композиторской школы, оказала музыка У. Гаджибекова, К. Караева, Ф. Амирова.

Ализаде воспринял также искусство корифеев музыки XX в. - И. Стравинского,

Б. Бартока, К. Орфа, С. Прокофьева, Г. Свиридова.

Яркая самобытность стиля, самостоятельность музыкального мы: шления

Ализаде проявилась уже в студенческие годы, в частности в Сонате для

фортепиано (1959), отмеченной дипломом первой степени на Всесоюзном смотре

творчества молодых композиторов. В этом произведении, органично

вписывающемся в традицию национальной фортепианной сонаты, Ализаде

претворяет новый взгляд на классическую композицию, используя национальный

по характеру тематизм, приемы народного инструментального музицирования.

Творческой удачей молодого композитора стала его дипломная работа.

Первая симфония (1962). В последовавшей за ней Камерной симфонии (Второй,

1966), отмеченной зрелостью и мастерством, воплотился характерный для

советской, и в том числе азербайджанской, музыки 60-х гг. элемент

неоклассицизма. Немаловажную роль сыграла в этом произведении

неоклассическая традиция музыки К. Караева. В терпком музыкальном языке,

сочетающемся с прозрачностью и графичностью оркестрового письма, своеобразно

претворено мугамное искусство (во 2 части симфонии используется материал

мугама Рост). Синтез неоклассического элемента с интонациями народной музыки

отличает стиль двух контрастных по характеру пьес для камерного оркестра

«Пасторали» (1969) и «Ашугской» (1971), образующих, несмотря на свою

самостоятельность, диптих. Нежно-лирическая Пастораль воссоздает стиль

народной песенности. Отчетливо ощущается связь с народным искусством и в

«Ашугской», где композитор обращается к древнему пласту музыки ашугов -

странствующих певцов, музыкантов, которые сами сочиняли песни, стихи,

дастаны и щедро дарили их народу, бережно сохраняли исполнительские

традиции. Ализаде воплощает характер вокального и инструментального

интонирования, свойственный ашугской музыке, имитируя, в частности, звучание

тара, саза, ударного инструмента дэфа, пастушеской свирели тутека. В пьесе

для гобоя и струнного оркестра «Джанги» (1978) композитор обращается к

другой сфере народной музыки, претворяя стихию героической пляски воинов.

Важную роль в творчестве Ализаде играет хоровая и

вокально-симфоническая музыка. Цикл хоров a cappella «Баяты» написан на

тексты старинных народных четверостиший, сконцентрировавших в себе народную

мудрость, остроумие, лиризм (1969). В этом хоровом цикле Ализаде использует

баяты любовного содержания. Раскрывая тончайшие оттенки чувства, композитор

сочетает психологические картины с пейзажными и бытовыми зарисовками по

принципу эмоционального и темпового контраста, интонационно-тематических

связей. Национальный стиль вокального интонирования преломлен в этом цикле,

словно написанном прозрачными акварельными красками, сквозь призму

восприятия современного художника. Здесь Ализаде опосредованно претворяет

манеру интонирования, присущую не только ашугам, но также певцам-ханенде -

исполнителям мугамов.

Иной образно-эмоциональный мир предстает в кантате «Двадцать шесть»,

насыщенной ораторским пафосом, патетикой (1976). Сочинение носит характер

эпико-героического реквиема, посвященного памяти героев Бакинской коммуны.

Произведение открыло дорогу двум следующим кантатам: «Празднество» (1977) и

«Песня о благословенном труде» (1982), воспевающим радость жизни, красоту

родной земли. Свойственная Ализаде лирическая интерпретация народной музыки

проявилась в «Старинной колыбельной» для хора a cappella (1984), в которой

воскрешается древняя национальная музыкальная традиция.

Композитор также активно и плодотворно работает в области оркестровой

музыки. Им написаны жанрово-живописные полотна «Сельская сюита» (1973),

«Апшеронские картины» (1982), «Ширванские картины» (1984), «Азербайджанский

танец» (1986). Эти произведения находятся в русле традиций национального

симфонизма. В 1982 г . появляется Третья, а в 1984 - Четвертая (Мугамная)

симфония Ализаде. В этих сочинениях своеобразно преломляется традиция

мугамного искусства, питавшая творчество многих азербайджанских

композиторов, начиная с У. Гаджибекова. Наряду с традицией мугамного

инструментализма в Третьей и Четвертой симфониях композитор использует

средства современного музыкального языка. Неторопливость эпического

повествования, присущая предыдущим оркестровым сочинениям Ализаде,

соединяется в Третьей и Четвертой симфониях с драматургическими принципами,

свойственными драматически-конфликтному симфонизму. После телевизионной

премьеры Третьей симфонии газета «Баку» писала: «Это трагический,

исполненный внутренних противоречий монолог, насыщенный размышлениями о

добре и зле. Музыкальная драматургия и интонационное развитие одночастной

симфонии направляются мышлением, глубинные истоки которого восходят к

древним мугамам Азербайджана».

Образным строем и стилистикой Третья симфония связана с

героико-трагическим балетом «Бабек», (1979) по трагедии И. Сельвинского

«Орла на плече носящий», повествующим о народном восстании IX в. под

предводительством легендарного Бабека. Этот балет был поставлен на сцене

Азербайджанского академического театра оперы и балета им. М. Ф. Ахундова

(1986).

В сфере творческих интересов Ализаде находится также музыка к

кинофильмам, драматическим спектаклям, камерно-инструментальные сочинения

(среди них выделяется соната Дастан-1986). Творческий поиск композитора

продолжается. /Н. Алексенко/

АЛЬБЕНИС (Albeniz) Исаак (Мануэль Франсиско) (29 V 1860, Кампродон,

Каталония - 16 VI 1909, Камбо ле Бен)

Возвышенную и необычайную музыкальную интуицию Альбениса можно было

сравнить с чашей, до краев наполненной чистым вином, согретым

средиземноморским солнцем.

Ф. Педрель

Имя И. Альбениса неразрывно с новым направлением испанской музыки

Ренасимьенто, возникшего на рубеже XIX-XX вв. Вдохновителем этого движения

был Ф. Педрель, ратовавший за возрождение испанской национальной культуры.

Первые классические образцы новой испанской музыки создали Альбенис и Э.

Гранадос, а творчество М. де Фальи стало вершиной этого направления.

Ренасимьенто охватило всю художественную жизнь страны. В нем участвовали

писатели, поэты, художники: Р. Валье-Инклан, X. Хименес, А. Мачадо, Р.

Пидаль, М. Унамуно. Альбенис родился в 10 километрах от границы с Францией.

Исключительные музыкальные способности позволили ему уже в четырехлетнем

возрасте выступать вместе со старшей сестрой Клементиной в публичном

концерте в Барселоне. Именно от сестры мальчик получил первые сведения о

музыке. В 6 лет Альбенис едет в сопровождении матери в Париж, где берет

уроки фортепиано у профессора А. Мармонтеля. В 1868 г. в Мадриде было

опубликовано первое сочинение юного музыканта - «Военный марш» для

фортепиано.

В 1869 г. семья переезжает в Мадрид, и мальчик поступает в

консерваторию в класс М. Мендисабаля. В 10 лет в поисках приключений

Альбенис убегает из дома. В Кадисе его арестовывают и отправляют к

родителям, но Альбенису удается попасть на пароход, идущий в Южную Америку.

В Буэнос-Айресе он ведет полную лишений жизнь, пока один из его земляков не

организует ему несколько концертов в Аргентине, Уругвае и Бразилии.

После путешествий на Кубу и в США, где Альбенис, чтобы не умереть с

голоду, работает в порту, юноша приезжает в Лейпциг, где занимается в

консерватории в классе С. Ядассона (композиция) и в классе К. Рейнеке

(фортепиано). В дальнейшем он совершенствуется в Брюссельской консерватории

- одной из лучших в Европе, по классу фортепиано у Л. Брассена, а по

композиции - у Ф. Геварта.

Огромное влияние на Альбениса оказала его встреча с Ф. Листом в

Будапеште, куда приехал испанский музыкант. Лист согласился руководить

Альбенисом, и одно это являлось высокой оценкой его дарования. В 80 - начале

90-х гг. Альбенис ведет активную и успешную концертную деятельность,

гастролирует во многих странах Европы (Германия, Англия, Франция) и Америки

(Мексика, Куба). Его блестящий пианизм привлекает современников красочностью

и виртуозным размахом. Испанская пресса в один голос называла его «испанским

Рубинштейном. Исполняя собственные сочинения, Альбенис напоминал

Рубинштейна», - писал Педрель.

Начиная с 1894 г . композитор живет в Париже, где совершенствуется в

области композиции у таких известных французских композиторов, как П. Дюка и

В. д'Энди. У него складываются тесные контакты с К. Дебюсси, творческая

личность которого сильно повлияла на Альбениса, на его музыку последних лет.

В последние годы жизни Альбенис возглавил движение Ренасимьенто, реализуя в

своем творчестве эстетические принципы Педреля. Лучшие сочинения композитора

- образцы подлинно национального и в то же время самобытного стиля. Альбенис

обращается к популярным песенно-танцевальным жанрам (малагенья, севильяна),

воссоздавая в музыке характерные особенности различных областей Испании. Его

музыка вся пропитана народными вокально-речевыми интонациями.

Из большого композиторского наследия Альбениса (комическая и лирическая

оперы, сарсуэла, произведения для оркестра, голоса) наибольшую ценность

представляет фортепианная музыка. Обращение к испанскому музыкальному

фольклору, этим «золотым россыпям народного искусства», по выражению

композитоpa, оказало решающее влияние на его творческое развитие. В

сочинениях для фортепиано Альбенис широко использует элементы народной

музыки, сочетая их с современными приемами композиторского письма. В

фортепианной фактуре часто слышно звучание народных инструментов -

тамбурина, волынки, особенно гитары. Используя ритмы песенно-танцевальных

жанров Кастилии, Арагона, Басконии и особенно часто Андалусии, Альбенис

редко ограничивается прямым цитированием народных тем. Лучшие его сочинения:

«Испанская сюита», сюита «Испания» ор. 165, цикл «Испанские напевы» ор. 232,

цикл из 12 пьес Иберия (1905-07) - образцы профессиональной музыки нового

направления, где национальная основа органично соединяется с достижениями

современного музыкального искусства. /В. Ильёва/

АЛЬБИНОНИ (Albinoni) Томазо (8 VI 1671, Венеция - 17 I 1750, там же)

О жизни Т. Альбинони - итальянского скрипача и композитора - известны

лишь отдельные факты. Родился он в Венеции в обеспеченной бюргерской семье

и, видимо, мог спокойно заниматься музыкой, не особенно тревожась о своем

материальном положении. С 1711 г . он перестает подписывать свои сочинения

«венецианский дилетант» (delettanta venete) и называет себя musico de

violino, тем самым подчеркивая свой переход в статус профессионала. Где и у

кого учился Альбинони - неизвестно. Предполагают, что у Дж. Легренци. После

женитьбы композитор переезжает в Верону. Видимо, некоторое время он жил во

Флоренции - по крайней мере, там, в 1703г. исполняется одна из его опер

(«Гризельда», на либр. А. Дзено). Альбинони бывал в Германии и, очевидно,

показал себя там как незаурядный мастер, так как именно ему была

предоставлена честь написать и исполнить в Мюнхене (1722) оперу к свадьбе

курпринца Карла Альберта. Больше об Альбинони ничего не известно, кроме

того, что умер он в Венеции.

Немногочисленны и дошедшие до нас сочинения композитора - в основном

инструментальные концерты и сонаты. Однако, будучи современником А.

Вивальди, И. С. Баха и Г. Ф. Генделя, Альбинони не остался в рядах

композиторов, имена которых известны только историкам музыки. В эпоху

расцвета итальянского инструментального искусства барокко, на фоне

творчества выдающихся мастеров концерта XVII - первой половины XVIII в. - Т.

Мартини, Ф. Верачини, Дж. Тартини, А. Корелли, Дж. Торелли, А. Вивальди и

др. - Альбинони сказал свое значительное художественное слово, которое с

течением времени заметили и оценили потомки. Концерты Альбинони широко

исполняются, записываются на пластинки. Но есть свидетельства признания его

творчества и при жизни. В 1718 г . в Амстердаме издается сборник, включающий

12 концертов наиболее известных в то время итальянских композиторов. Среди

них - концерт соль мажор Альбинони, лучший в этом собрании. Великий Бах,

тщательно изучавший музыку своих современников, выделил сонаты Альбинони,

пластичную красоту их мелодий и на две из них он написал свои клавирные

фуги. Сохранилась также корректура, сделанная рукой Баха и к 6 сонатам

Альбинони (ор. 6). Следовательно, Бах учился на сочинениях Альбинони.

Нам известны 9 опусов Альбинони - среди них циклы трио-сонат (ор. I, 3,

4, 6, 8) и циклы «симфоний» и концертов (ор. 2, 5, 7, 9). Разрабатывая тот

тип concerto grosso, каким он сложился у Корелли и Торелли, Альбинони

достигает в нем исключительного художественного совершенства - в пластике

переходов от tutti к solo (которых обычно у него 3), в тончайшем лиризме,

благородной чистоте стиля. Концерты ор. 7 и ор. 9, в некоторые из которых

введен гобой (ор. 7 № 2, 3, 5, 6, 8, 11), отличаются особой мелодической

красотой сольной партии. Их часто называют концертами для гобоя.

В сравнении с концертами Вивальди, их размахом, блестящими виртуозными

партиями solo, контрастами, динамикой и страстностью, концерты Альбинони

выделяются сдержанной строгостью, изысканной проработанностью оркестровой

ткани, мелодизмом, мастерством контрапунктической техники (отсюда и внимание

к ним Баха) и, главное, - той почти зримой конкретностью художественных

образов, за которой угадывается влияние оперы. Альбинони написал около 50

опер (больше, чем оперный композитор Гендель), над которыми работал на

протяжении всей жизни. Судя по названиям («Ценобия» - 1694, «Тигран» - 1697,

«Радамисто» - 1698, «Родриго» - 1702, «Гризельда» - 1703, «Покинутая Дидона»

- 1725 и др.), а также по именам либреттистов (Ф. Сильвани, Н. Минато, А.

Аурели, А. Дзено, П. Метастазио) развитие оперы в творчестве Альбинони шло

по направлению от барочной оперы к классицистской опере-seria и,

соответственно, к той отшлифованности оперных характеров, аффектов,

драматургической кристалличности, ясности, которые составляли суть концепции

оперы-seria. В музыке инструментальных концертов Альбинони ясно ощущается

присутствие оперных образов. Приподнятые в своем упругом ритмическом тонусе

мажорные allegri первых частей соответствуют героике, открывающей оперное

действие. Интересно, что заглавный оркестровый мотив вступительного tutti,

характерный для Альбинони, стал потом повторяться у многих итальянских

композиторов. Мажорные финалы концертов по характеру и типу материала

перекликаются со счастливой развязкой оперного действия (ор. 7 № 3).

Минорные части концертов, великолепные по мелодической красоте, созвучны

оперным ариям lаmento и стоят в одном ряду с шедеврами ламентозной лирики

опер А. Скарлатти и Генделя. Как известно, связь инструментального концерта

с оперой в истории музыки второй половины XVII - начала XVIII в. была

особенно тесной и многозначительной. Главный принцип концерта - чередование

tutti и solo - был подсказан построением оперных арий (вокальная часть -

инструментальный ритурнель). И в дальнейшем взаимообогащение оперы и

инструментального концерта плодотворно сказывалось на развитии обоих жанров,

усиливаясь по мере формирования сонатно-симфонического цикла.

Драматургия концертов Альбинони отточенно совершенна: 3 части (Allegro

- Andante - Allegro) с лирической вершиной в центре. В четырехчастных циклах

его сонат (Grave - Allegro - Andante - Allegro) лирическим центром выступает

3 часть. Тонкая, пластичная, в каждом своем голосе мелодичная ткань

инструментальных концертов Альбинони привлекательна для современного

слушателя той совершенной, строгой, лишенной всяких преувеличений красотой,

которая является всегда приметой высокого искусства. /Ю. Евдокимова/

АЛЯБЬЕВ Александр Александрович (15 VIII 1787, Тобольск - 6 III 1851,

Москва)

...Все родное к сердцу ближе.

Сердце чувствует живей,

Ну пропой же, ну начни же:

Соловей мой, соловей!..

В. Домонтович

Любопытное было это дарование по душевной чуткости и соответствию

запросам множества людских сердец, бившихся в тон алябьевским мелодиям... В

нем уживались пестрота наблюдений ума, едва ли не "фельетониста от музыки",

с вниканием в запросы сердца своих современников...

Б. Асафьев

Бывают композиторы, обретающие славу и бессмертие благодаря

единственному произведению. Таков А. Алябьев - автор знаменитого романса

«Соловей» на стихи А. Дельвига. Этот романс поют во всем мире, ему посвящают

стихи и рассказы, он существует в концертных обработках М. Глинки, А.

Дюбюка, Ф. Листа, А. Вьетана, а количество безымянных его переложений

безгранично. Однако помимо «Соловья» Алябьев оставил большое наследие: 6

опер, балет, водевили, музыку к спектаклям, Симфонию, увертюры, сочинения

для духового оркестра, многочисленные хоровые, камерные инструментальные

произведения, более 180 романсов, обработки народных песен. Многие из этих

сочинений исполнялись при жизни композитора, пользовались успехом, хотя

издано было немногое - романсы, несколько фортепианных пьес, мелодрама

«Кавказский пленник» по А. Пушкину.

Судьба Алябьева драматична. Долгие годы он был оторван от музыкальной

жизни столичных городов, жил и умер под гнетом тяжкого, несправедливого

обвинения в убийстве, которое сломало его жизнь на пороге сорокалетия,

разделив биографию на два контрастных периода. Первый складывался удачно.

Детские годы прошли в Тобольске, губернатором которого был отец Алябьева,

человек просвещенный, либеральный, большой любитель музыки. В 1796 г . семья

переехала в Петербург, где Александр в 14 лет был зачислен на службу по

горному ведомству. Одновременно начались серьезные занятия музыкой у И.

Миллера - «знаменитого контрапунктиста» (М. Глинка), у которого обучались

композиции многие русские и иностранные музыканты. С 1804 г . Алябьев живет в

Москве, и здесь в 1810-х гг. были изданы его первые сочинения - романсы,

фортепианные пьесы, написан Первый струнный квартет (впервые издан в 1952

г.). Эти сочинения являются едва ли не самыми ранними образцами русской

камерной инструментальной и вокальной музыки. В романтической душе молодого

композитора особый отклик находила тогда сентиментальная поэзия В.

Жуковского, позже уступившая место стихам Пушкина, Дельвига,

поэтов-декабристов, а в конце жизни - Н. Огарева.

Отечественная война 1812 г . отодвинула музыкальные интересы на второй

план. Алябьев пошел добровольцем в армию, сражался вместе с легендарным

Денисом Давыдовым, был ранен, награжден двумя орденами и медалью. Перед ним

открывалась перспектива блестящей военной карьеры, но, не испытывая рвения к

ней, Алябьев в 1823 г . вышел в отставку. Живя попеременно в Москве и

Петербурге, он сблизился с артистическим миром обеих столиц. В доме

драматурга А. Шаховского он встречался с Н. Всеволожским - организатором

литературного общества Зеленая лампа; с И. Гнедичем, И. Крыловым, А.

Бестужевым. В Москве на вечерах у А. Грибоедова музицировал с А.

Верстовским, братьями Виельгорскими, В. Одоевским. Алябьев участвовал в

концертах как пианист и певец (прелестный тенор), много сочинял и все больше

завоевывал авторитет у музыкантов и любителей музыки. В 20-е гг. на сценах

московских и петербургских театров появляются водевили М. Загоскина, П.

Арапова, А. Писарева с музыкой Алябьева, а в 1823 г . в Петербурге и Москве с

большим успехом состоялась постановка его первой оперы «Лунная ночь, или

Домовые» (либр. П. Муханова и П. Арапова). ...Оперы Алябьева ничем не хуже

французских комических опер, - писал Одоевский в одной из своих статей. 24

февраля 1825 г . случилась беда: во время карточной игры в доме Алябьева

произошла крупная ссора, один из ее участников вскоре скоропостижно

скончался. Странным образом в этой смерти обвинили Алябьева и после

трехлетнего судебного разбирательства сослали в Сибирь. Начались многолетние

скитания: Тобольск, Кавказ, Оренбург, Коломна...

...Твоя воля отнята,

Крепко клетка заперта,

Ах, прости, наш соловей,

Голосистый соловей...

- писал Дельвиг.

...»Не так живи, как хочется, а как бог велит; никто столько не

испытал, как, я, грешный»... Только сестра Екатерина, добровольно

последовавшая за братом в ссылку, да любимая музыка спасали от отчаяния. В

ссылке Алябьев организовал хор, выступал в концертах. Переезжая с одного

места на другое, он записывал песни народов России - кавказские, башкирские,

киргизские, туркменские, татарские, использовал их напевы и интонации в

своих романсах. Совместно с украинским историком и фольклористам М.

Максимовичем Алябьев составил сборник «Голоса украинских песен» (1834) и

постоянно сочинял. Он писал музыку даже в тюрьме: находясь под следствием,

создал один из лучших своих квартетов - Третий, с вариациями на тему

«Соловья» в медленной части, а также балет «Волшебный барабан», долгие годы

не сходивший со сцен русских театров.

С годами в творчестве Алябьева все явственнее проступали

автобиографические черты. Мотивы страдания и сострадания, одиночество, тоска

по родине, стремление к свободе - вот характерный круг образов периода

изгнанничества (романсы «Иртыш» на ст. И. Веттера - 1828, «Вечерний звон»,

на ст. И. Козлова (из Т. Мура) - 1828, «Зимняя дорога» на ст. Пушкина -

1831). Сильное душевное смятение вызвала нечаянная встреча с бывшей

возлюбленной Е. Офросимовой (в девичестве Римской-Корсаковой). Ее образ

вдохновил композитора на создание одного из лучших лирических романсов «Я

вас любил» на ст. Пушкина. В 1840 г., овдовев, Офросимова стала женой

Алябьева. В 40-х гг. Алябьев сблизился с Н. Огаревым. В романсах, созданных

на его стихи - «Кабак, Изба, Деревенский сторож», - впервые зазвучала тема

социального неравенства, предвосхищая искания А. Даргомыжского и М.

Мусоргского. Бунтарские настроения характерны и для сюжетов трех последних

опер Алябьева: «Буря» по В. Шекспиру, «Аммалат-бек» по повести А.

Бестужева-Марлинского, «Эдвин и Оскар» по древним кельтским сказаниям. Так

что хотя, по словам И. Аксакова, «лета, болезни и несчастья остепенили его»,

мятежный дух эпохи декабристов до конца дней не угасал в произведениях

композитора. /О. Аверьянова/

АМИРОВ Фикрет (Мешади Джамиль оглы) (22 XI 1922. Гянджа, ныне Кировабад

- 20 II 1984, Баку)

Я видел родник. Чистый и свежий, звонко журча, бежал он по родным

полям.

Свежестью и чистотой дышат амировские песни.

Я видел чинар. Врастая корнями глубоко в землю, он кроной своей

вознесся высоко в небо. Сродни этому чинару искусство Фикрета Амирова,

возвысившееся именно благодаря тому, что укоренилось в родной почве.

Наби Хазри

Музыка Ф. Амирова обладает огромной притягательной силой и обаянием.

Обширно и многогранно творческое наследие композитора, органично связанное с

азербайджанской народной музыкой, с национальной культурой. Одной из самых

привлекательных черт музыкального языка Амирова является мелодизм: «Богатым

мелодическим даром обладает Фикрет Амиров», - писал Д. Шостакович. -

«Мелодия - душа его творчества».

Стихия народной музыки окружала Амирова с детства. Он родился в семье

известного таркста и пезцаханенде (исполнителя мугамов) Мешади Джамиля

Амирова. «Шуша, откуда родом был мой отец, по праву считается консерваторией

Закавказья», - вспоминал Амиров. - ...»Именно отец раскрыл мне мир звуков и

тайну мугамов. Еще будучи ребенком, я стремился подражать его игре на таре.

Иногда это мне хорошо удавалось и доставляло большую радость». Огромную роль

в формировании композиторской личности Амирова сыграли корифеи

азербайджанской музыки - композитор У. Гаджибеков и певец Бюль-Бюль. В 1949

г. Амиров окончил консерваторию, где занимался в классе композиции Б.

Зейдмана. В годы учебы в консерватории молодой композитор работал в кабинете

народной музыки (НИКМУЗ), теоретически постигая фольклор и искусство мугама.

В это время формируется горячая приверженность молодого музыканта творческим

принципам У. Гаджибекова - основоположника азербайджанской профессиональной

музыки и, в частности, национальной оперы. «Меня называют одним из

продолжателей дела Узеира Гаджибекова, и я горжусь этим», - писал Амиров.

Подтверждением этих слов стала поэма «Посвящение Узеиру Гаджибекову» (для

унисона скрипок и виолончелей с фортепиано, 1949). Под воздействием оперетт

Гаджибекова (среди которых особой популярностью пользуется «Аршин мал алан»)

у Амирова» возникла идея написать собственную музыкальную комедию

«Похитители сердец (пост. 1943). Работа протекала под руководством У.

Гаджибекова. Он способствовал и постановке этого произведения в открывшемся

в те тяжелые военные годы Государственном театре музыкальной комедии. Вскоре

Амиров пишет вторую музыкальную комедию - «Радостная весть» (пост. 1946). В

этот период появляются также опера «Улдиз» («Звезда», 1948), симфоническая

поэма «Памяти героев Великой Отечественной войны» (1943), двойной Концерт

для скрипки и фортепиано с оркестром (1946). В 1947 г. композитор пишет

симфонию Низами - первую в азербайджанской музыке симфонию для струнного

оркестра. И наконец, в 1948 г . Амиров создает свои знаменитые симфонические

мугамы «Шур» и «Кюрд-овшары», представляющие новый жанр, суть которого

заключается в синтезе традиций азербайджанских народных певцов-ханенде с

принципами европейской симфонической музыки.

«Создание симфонических мугамов "Шур" и "Кюрд-овшары" - инициатива

Бюль-Бюля», - отмечал Амиров, Бюль-Бюль являлся «самым близким наперсником,

советчиком и помощником произведений, написанных мною доныне». Оба сочинения

составляют диптих, будучи самостоятельными и в то же время соединенными друг

с другом ладово-интонационным родством, наличием мелодических связей и

единым лейтмотивом. Главная роль в диптихе принадлежит мугаму Шур. Оба

произведения стали выдающимся событием в музыкальной жизни Азербайджана. Они

получили поистине международное признание и положили начало появлению

симфонических макомов в Таджикистане и Узбекистане.

Амиров проявил себя новатором и в написанной по мотивам одноименной

драмы Дж. Джабарлы опере «Севиль» (пост. 1953) - первой национальной

лирико-психологической опере. «Драма Дж. Джабарлы знакома мне со школьной

скамьи», - писал Амиров. - «В начале 30-х годов в городском драмтеатре г.

Гяндж мне пришлось сыграть роль сына Севиль - маленького Гюндюза. ...Я

постарался сохранить в своей опере основную идею драмы - идею борьбы женщины

Востока за свои человеческие права, пафос борьбы новой пролетарской культуры

с буржуазным мещанством. В процессе работы над сочинением меня не оставляла

мысль о сходстве между характерами героев драмы Дж. Джабарлы и опер

Чайковского. Севиль и Татьяна, Балаш и Герман были близки своим внутренним

складом». Горячо приветствовал появление оперы народный поэт Азербайджана

Самед Вургун: ...»"Севиль" богата чарующими мелодиями, почерпнутыми из

неиссякаемой сокровищницы мугамного искусства и искусно преломленными в

опере».

Важное место в творчестве Амирова 50-60-х гг. занимают произведения для

симфонического оркестра: ярко красочная сюита «Азербайджан» (1950),

«Азербайджанское каприччио» (1961), «Симфонические танцы» (1963),

пронизанные национальным мелосом. Линию симфонических мугамов «Шур» и

«Кюрд-овшары» спустя 20 лет продолжает третий симфонический мугам Амирова -

«Гюлистан Баяты-шираз» (1968), навеянный поэзией двух великих поэтов Востока

- Хафиза и Сзади. В 1964 г . композитор делает вторую редакцию симфонии для

струнного оркестра «Низами». (Поэзия великого азербайджанского поэта и

мыслителя вдохновила его позднее на создание балета «Низами».) По случаю

600-летия другого выдающегося азербайджанского поэта - Насими - Амиров пишет

хореографическую поэму для симфонического оркестра, женского хора, тенора,

чтецов и балетной труппы «Сказание о Насими», а позже делает оркестровую

редакцию этого балета.

Новой вершиной в творчестве Амирова стал балет «Тысяча и одна ночь»

(пост. 1979) - красочная хореографическая феерия, словно излучающая

волшебство арабских сказок. «По приглашению Министерства культуры Ирака я с

Н. Назаровой» (балетмейстер-постановщик балета. - Н. А.) «посетил эту

страну. Я стремился глубоко проникнуть в музыкальную культуру арабского

народа, его пластику, красоту музыкальных обрядов, изучал исторические и

архитектурные памятники. Передо мною стояла задача синтезировать

национальное и общечеловеческое»... - писал Амиров. Ярко колористична

партитура балета, основанная на игре тембров, имитирующих звучание народных

инструментов. Важную роль в ней играют ударные, они несут важную смысловую

нагрузку. Амиров вводит в партитуру еще одну тембровую краску - голос

(сопрано), поющий тему любви и становящийся символом этического начала.

Амиров наряду с композиторской активно занимался

музыкально-общественной деятельностью. Он был секретарем правлений Союза

композиторов СССР и Союза композиторов Азербайджана, художественным

руководителем Азербайджанской государственной филармонии (1947), директором

Азербайджанского академического театра оперы и балета им. М. Ф. Ахундова

(1956-59). «Я всегда мечтал и мечтаю о том, чтобы азербайджанская музыка

звучала во всех уголках земного шара... Ведь по музыке народа судят о нем

самом! И если хотя бы частично сумел осуществить свою мечту, мечту всей моей

жизни, то я счастлив», - так выразил свое творческое кредо Фикрет Амиров.

/Н. Алексенко/

АРЕНСКИЙ Антон (Антоний) Степанович (12 VII 1861, Новгород - 25 II

1906, Питка-Ярви, ныне Ленинградская обл.)

Аренский удивительно умен в музыке... Это очень интересная личность!

П. Чайковский

Из новейших - лучший Аренский, он прост, мелодичен...

Л. Толстой

Музыканты и любители музыки конца прошлого и начала нынешнего столетия

не поверили бы, что творчество и даже само имя Аренского спустя всего три

четверти века будет мало кому известно. Ведь его оперы, симфонические и

камерные сочинения, особенно же фортепианные произведения и романсы, звучали

постоянно, ставились в лучших театрах, исполнялись знаменитыми артистами,

горячо принимались критикой и публикой...

Первоначальное музыкальное образование будущий композитор получил в

семье. Отец, нижегородский врач, был музыкантом-любителем, хорошей

пианисткой была мать. Следующий этап жизни Аренского связан с Петербургом.

Здесь он продолжил занятия музыкой и в 1882 г. окончил консерваторию по

классу композиции Н. Римского-Корсакова. Занимался неровно, но проявил яркий

талант и был удостоен золотой медали. Молодой музыкант сразу был приглашен в

Московскую консерваторию преподавателем теоретических предметов, позже

композиции. В Москве Аренский сблизился с Чайковским и Танеевым. Влияние

первого стало определяющим для музыкального творчества Аренского, второй

стал близким другом. По просьбе Танеева Чайковский отдал Аренскому либретто

своей ранней уничтоженной оперы «Воевода» - и появилась опера «Сон на

Волге», с успехом поставленная московским Большим театром в 1890 г.

Чайковский назвал ее одной из лучших, «а местами даже

п»р»е»в»о»с»х»о»д»н»о»й русской оперой» и добавил: «Сцена сна Воеводы

заставила меня пролить немало сладких слез». Другая опера Аренского

«Рафаэль» - строгому Танееву казалась способной одинаково восхитить как

специалистов-музыкантов, так и публику; в дневнике этого несентиментального

человека встречаем в связи с Рафаэлем то же слово, что в признании

Чайковского: «Был тронут до слез»... Может быть, это относилось и к

популярной до сих пор Песне певца за сценой - «Страстью и негою сердце

трепещет»?

Деятельность Аренского в Москве была разнообразной. Работая в

консерватории, он создал учебники, по которым занимались многие поколения

музыкантов. В его классе учились Рахманинов и Скрябин, А. Корещенко, Г.

Конюс, Р. Глиэр. Последний вспоминал: ...»замечания и советы Аренского

носили более художественный, нежели технический характер». Впрочем, неровный

характер Аренского - он был человеком увлекающимся и вспыльчивым - приводил

порою к конфликтам с учениками. Выступал Аренский в качестве дирижера, как с

симфоническим оркестром, так и в концертах молодого Русского хорового

общества. Вскоре, по рекомендации М. Балакирева, Аренского приглашают в

Петербург на пост управляющего Придворной певческой капеллой. Должность была

весьма почетной, но и очень обременительной и не соотвегетвоаала склонностям

музыканта. За 6 лет он создал мало произведений и, лишь, освободившись от

службы в 1901 г ., вновь начал и выступать в концертах и интенсивно сочинять.

Но его уже подстерегала болезнь - туберкулез легких, которая через несколько

лет свела в могилу...

Среди прославленных исполнителей сочинений Аренского был Ф. Шаляпин:

пел он и романтическую балладу «Волки», ему посвященную, и «Детские песни»,

и - с наибольшим успехом - «Менестреля». В особом, распространенном в начале

века жанре мелодекламации с исполнением сочинений Аренского выступала В.

Комиссаржевская; слушатели запомнили ее чтение на музыке «Как хороши, как

свежи были розы»... Оценку одного из лучших произведений - Трио ре минор

можно встретить в «Диалогах» Стравинского: «Аренский... относился ко мне

дружелюбно, с интересом и помогал мне; мне всегда нравился он сам и, по

меньшей мере, одна из его вещей - знаменитое фортепианное трио». (Имена

обоих композиторов встретятся позже - на парижской афише С. Дягилева, в

которую войдет музыка балета Аренского «Египетские ночи».)

Выше других современных русских композиторов ценил Аренского Лев

Толстой, и в частности, сюиты для двух фортепиано, действительно

принадлежащие к лучшему из написанного Аренским. (Не без их влияния писал

потом сюиты для такого же состава Рахманинов). В одном из писем Танеева,

жившего у Толстых в Ясной Поляне летом 1896 г . и вместе с А. Гольденвейзером

игравшего по вечерам для писателя, сообщается: «Два дня назад мы, в

присутствии многочисленного общества играли... на двух фортепиано "Силуэты"«

(Сюита № 2. - Л. К.) «Антона Степановича, которые имели очень большой успех

и примирили Льва Николаевича с новой музыкой. Особенно ему понравилась

"Испанская танцовщица" (последний номер), и он долго об ней вспоминал».

Сюиты и другие фортепианные пьесы до конца своей исполнительской

деятельности - до 1940 - 50-х гг. - сохраняли в репертуаре советские

пианисты старшего поколения, ученики Аренского - Гольденвейзер и К. Игумнов.

И до сих пор звучит в концертах и по радио Фантазия на темы Рябинина для

фортепиано с оркестром, созданная в 1899 г . Еще в начале 90-х гг. Аренский

записал в Москве от замечательного сказителя - олонецкого крестьянина Ивана

Трофимовича Рябинина несколько былин; и две из них - о боярине

Скопине-Шуйском и «Вольга и Микула» - положил в основу своей Фантазии. И

Фантазия, и Трио, и многие другие инструментальные и вокальные пьесы

Аренского, не будучи очень глубокими по заложенному в них эмоциональному и

интеллектуальному содержанию, не отличаясь новаторством, в то же время

привлекают искренностью лирического - часто элегического - высказывания,

щедрым мелодизмом. Они темпераментны, изящны, артистичны. Эти свойства

склоняли к музыке Аренского сердца слушателей в. прежние годы. Они могут

доставить радость и сегодня, ибо отмечены и талантом, и мастерством. /Л.

Корабельникова/